Si se diera un cuerpo al bullicio és una peça que explora la relació entre moviment i producció de so, treballant a partir del desenvolupament d'estructures (partitures). Aquestes generen diverses composicions que fluctuen entre allò atzarós i allò necessari. Els performers utilitzen diversos objectes i instruments que, amplificats, van produint un espai sonor i, a l'hora, fan aparèixer imatges i accions. El fruit és una peça que es mou en un terreny entre el concert i la perfomance.

Nuno Rebelo i Constanza Brncic col·laboren des de fa uns anys en diversos treballs de creació escènica. L’interès que ambdós comparteixen per les músiques experimentals, la improvisació i el plaer pel joc performatiu, els ha portat a trobar-se en diferents ocasions i contextos per improvisar amb so i cos.

Constanza Brncic
Desenvolupa la seva particular mirada sobre el cos i el fet escènic desde fa vint anys. Formada en dansa contemporànea i nova dansa a Nova York, aviat s'interessa pel treball desenvolupat per Min Tanaka (Body Weather). A aquesta línea de treball s'uneix la important influència del treball de percepció i composició desenvolupat per la coreògrafa americana Lisa Nelson (Tunning Scores). La pràctica que proposa Constanza Brncic, té com substrat aquestes dues influències.

Nuno Rebelo
Després d'una formació en arquitectura, decideix dedicar-se a la seva veritable passió: la música. Des de 1983 a 1989, dirigeix el grup de rock Mler if Dada. A partir de 1988 composa per dansa, per cinema i teatre. Improvisa a concerts amb músics i ballarins. Composa la música per a l'apertura oficial de Porto 2001, Capital Europea de la Cultura i l'himne oficial de l'Exposició Universal Lisboa, Expo 98'.

Si se diera un cuerpo al bullicio es una pieza que explora la relación entre movimiento y producción de sonido, trabajando a partir del desarrollo de estructuras (partituras) que generan diversas composiciones entre lo azaroso y lo necesario. Utilizando diversidad de objetos e instrumentos amplificados, los performers producen espacios sonoros y desarrollan acciones físicas e imágenes, construyendo una pieza que se mueve en un terreno entre el concierto y la performance.

Nuno Rebelo y Constanza Brncic colaboran desde hace unos años en diversos trabajos de creación escénica. El interés que ambos comparten por las músicas experimentales, la improvisación y el placer por el juego escénico, los ha llevado a encontrarse en diversas ocasiones y contextos para improvisar con sonido y cuerpo.

Constanza Brncic
Desarrolla su particular mirada sobre el cuerpo y el hecho escénico desde hace veinte años. Formada en danza contemporánea y nuevas danzas en Nueva York, se interesa pronto por el trabajo desarrollado por Min Tanaka (Body Weather). A esta línea de trabajo se une la importante influencia del trabajo de percepción y composición desarrollado por la coreógrafa americana Lisa Nelson (Tunning Scores). La práctica que propone Constanza Brncic, tiene como substrato estas dos influencias.

Nuno Rebelo
Después de formarse en arquitectura, decide dedicarse a su verdadera pasión: la música. Desde 1983 a 1989, dirige el grupo de rock Mler ife Dada. A partir de 1988 compone música para danza, así como para cine y teatro. Improvisa en conciertos con músicos y bailarines. Compone la música para la apertura oficial de Porto 2001, Capital Europea de la Cultura y el himno oficial de la Exposición Universal de Lisboa, Expo 98'.

Should a body be thrown to the bustle is a piece that explores the relation between movement and sound production. Working from the development of structures (scores) the performers generate diverse compositions that fluctuate between the serendipitous and the necessary. Using a variety of amplified objects and instruments, the performers create soundscapes and produce physical actions and images, constructing a piece that is something between concert and performance.

Nuno Rebelo and Constanza Brncic have collaborated for some years in diverse works of stage creation. The interest they share for experimental music, improvisation and the pleasure of the performance game has led them to meet on various occasions and in different contexts, to improvise with sound and body.

Constanza Brncic
Has developed her particular perspective on the body and the stage for twenty years. Trained in contemporary dance and new dance in New York, she soon became interested in the work developed by Min Tanaka (Body Weather). To this line of research she joins the important influence of the work of perception and composition developed by American choreographer Lisa Nelson (Tunning Scores). Constanza Brncic´s work takes these two influences as a base.

Nuno Rebelo
After completing an architecture degree, he decided to devote himself to his real passion: music. From 1983 to 1989, he directed rock band Mler ife Dada. From 1988 onwards he has composed music for dance as well as for cinema and theatre. He improvises in concert with musicians and dancers. He composed the music for the official opening of Porto European Capital of Culture 2001, and the official anthem of the Universal Exhibition of Lisbon, Expo 98.

Todo Al Negro és una antologia de seixanta poemes escrits durant una màgica estada de sis mesos per Sud-Amèrica. Un recorregut circular entre la llum i l’ombra. Todo Al Negro és una aposta a tot o res.
A partir d’alguns d’aquests poemes, portem a escena ECO, un viatge vital a vida o mort. Què fas quan allò més inesperat t’ofereix una resposta? Literatura en moviment, poesia cantada, dansa, suor i estómac.
Sobre el patiment, la culpa, la pèrdua...i una sortida.

Gus Bas
Director i pedagog teatral. Psicòleg, Actor i Poeta. Direcció escènica amb Glòria Balañà. Formació actoral al Col·legi del Teatre. Format amb els millors especialistes en Teatre Social arreu del món. En els últims deu anys ha treballat per tot el territori espanyol, Itàlia, França, Argentina, Uruguai i Brasil, oferint seminaris, laboratoris i espectacles. En tots aquests països ha impulsat i participat en nombrosos projectes artístics i d’acció social. Actualment treballa en la seva propera obra poètica, Aterrizaje Forzoso.

Nina Uyà
Ballarina, actriu i creadora. Tècnica Superior en Arts Escèniques, especialitzada en dansa-teatre. Màster en Consciència del Moviment, amb Mercè Boronat. Ha donat formacions de dansa-teatre per Argentina, Uruguay i Catalunya, especialment seminaris de Katsugen, pràctica de moviment japonesa que practica des de fa 10 anys. Fundadora de la companyia de dansa-teatre Colectivo Amoro (2010). Com a actriu ha treballat en mans de Joan Cusó, Jordi Purtí, Eleonora Herder, Àlex Rigola o Glòria Balañà.

Todo Al Negro es una antología de sesenta poemas escritos durante una mágica estancia de seis meses por Sudamérica. Un recorrido circular entre la luz y la sombra. Todo Al Negro es una apuesta a todo o nada.
A partir de algunos de estos poemas llevamos a escena ECO, un viaje vital a vida o muerte. ¿Qué haces cuando aquello más inesperado te ofrece una respuesta? Literatura en movimiento, poesía cantada, danza, sudor y estómago.
Sobre el sufrimiento, la culpa, la pérdida...y una salida.

Gus Bas
Director y pedagogo teatral. Psicólogo, actor y poeta. Dirección escénica con Gloria Balañà. Formación actoral en el Col·legi del Teatre. Formado con los mejores especialistas en Teatro Social alrededor del mundo. En los últimos diez años ha trabajado por todo el territorio español, Italia, Francia, Argentina, Uruguay y Brasil, ofreciendo laboratorios, seminarios y espectáculos. En todos estos países ha impulsado y participado en numerosos proyectos artísticos y de acción social. Actualmente trabaja en su próxima obra poética, Aterrizaje Forzoso.

Nina Uyà
Bailarina, actriz y creadora. Técnica superior en Artes Escénicas, especializada en Danza-Teatro. Máster en Consciencia del Movimiento, con Mercedes Boronat. Ha ofrecido formaciones en danza-teatro por Argentina, Uruguay y Cataluña, especialmente seminarios de Katsugen, práctica de movimiento japonesa que practica desde hace diez años. Fundadora de la compañía de danza-teatro Colectivo Amoro (2010). Como actriz ha trabajado con Joan Cusó, Jordí Purtí, Heleonora Herder, Alex Rigola o Gloria Balañà.

Todo Al Negro is an anthology of sixty poems written during a magical six-month period travelling around South America. A circular walk between light and shadow. Todo Al Negro is an all or nothing bet.
Using some of these poems as a starting point, we bring ECO to the stage, a journey of life and death. What do you do when offered the most unexpected answer? Literature in movement; sung poetry; dance; sweat and guts; this is about suffering, guilt, loss ... and a way out.

Gus Bas
Is a Theatrical Director and teacher, as well as a psychologist, actor and poet. He learned stage direction under Gloria Balañà, and trained as an actor at the Col·legi del Teatre de Barcelona as well as with Argentine playwright and director Alejandro Catalán. He has trained with the best specialists in Social Theatre worldwide. Over the past ten years he has worked all over Spain, Italy, France, Argentina, Uruguay and Brazil, offering laboratories, seminars, workshops and performances. In all these countries he has led and participated in many art projects and social actions. He is currently working on his next poetry book, Aterrizaje Forzoso.

Nina Uyà
Is a dancer, actress and creator. Her background is in Higher Technical Arts, specialising in Dance Theatre. She holds a Masters’ in Consciousness Movement from Mercedes Boronat. She has taught dance theatre in Argentina, Uruguay and Catalonia, particularly practical workshops on Katsugen (Japanese motion practice). She founded dance theatre company Colectivo Amoro (2010). As an actress she has worked with Joan Cusó, Jordi Purtí, Heleonora Herder, Alex Rigola and Gloria Balañà.

Quarta temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo que, amb una periodicitat quinzenal i amb la màxima flexibilitat, pretenem que reflecteixi la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival.

FLUX CLUB acull tot tipus de sessions: projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Tant poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts com temàtiques, col·lectives dedicades a autors emergents, a la presentació de treballs d’estudiants, o centrades en la videopoesia o la videodansa.

Durant el segon semestre del 2012 hem organitzat projeccions i col·loquis amb els autors Tommaso Pedone, Boris Labbé & Collectif 10+ [dix][sup], Omar Sherzad, Damián Pissarra, Xavier Gavin i Tea Guarascio.

FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Cuarta temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo que, con una periodicidad quincenal y con la máxima flexibilidad, pretendemos que refleje la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo d’autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival.

FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Tanto pueden ser sesiones monográficas de autores reconocidos como temáticas, colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza.

Durante el segundo semestre del 2012 hemos organizado proyecciones y coloquios con los autores Tommaso Pedone, Boris Labbé & Collectif 10+ [dix][sup], Omar Sherzad, Damián Pissarra, Xavier Gavin y Tea Guarascio.

FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

The fourth season of FLUX CLUB is here: a fortnightly and fully flexible video club that aims to reflect the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival’s content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself.

FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographics of well known directors to specific themes, from groups of up and coming authors to students; they may cover video poetry or video dance.

During the second half of 2012 we organised screenings and debates around the work of Tommaso Pedone, Boris Labbé & Collectif 10+ [dix][sup], Omar Sherzad, Damián Pissarra, Xavier Gavin and Tea Guarascio.

FLUX CLUB is a space for the dissemination of video art in the city of Barcelona.

Quatrième saison du FLUX CLUB, un club vidéo, bimensuel avec un maximum de flexibilité, nous cherchons à refléter la vitalité de la création vidéo dans notre ville. Ceci est une extension du Festival vidéo d' auteur FLUX, avec des séances ouvertes à tout ce qui se passe dans le domaine de la vidéo à Barcelone, qui vient compléter le festival du point de vue du contenu et de prolonger la durée d'action plus loin que les jours strictement dédiés au festival.

FLUX CLUB accueille toutes sortes de sessions: projections, vidéoperformances et débats qui offrent au public la possibilité d’un contact direct avec les vidéocréateurs. Les séances peuvent être monographiques d’auteurs renommés, témathiques collectives dédiés aux artistes émergents, presentations de travaux d’élèves, vidéopoésie ou vidéodanse.

Au cours de la deuxième moitié de 2012 nous avons organisé des projections et des débats avec les auteurs Tommaso Pedone, Boris Labbé & Collectif 10+ [dix][sup], Omar Sherzad, Damián Pissarra, Xavier Gavin et Tea Guarascio.

FLUX CLUB est un espace de la diffusion vidéo de création dans la ville de Barcelone.

Un nou treball, "Nostra senyora de les flors", inspirat per Jean Genet.

Nostra senyora de les Flors (Notre Dame de les Fleurs), va ser la primera novel·la de l'escriptor francès Jean Genet redactada des de la presó el 1942 i publicada el 1943. Aquesta obra fluida i poètica és un relat majorment autobiogràfic del trajecte d'un home pels baixos mons de París. Els protagonistes es basen en personatges reals, principalment homosexuals vivint al marge de la societat. Ken Mai ha estat profundament inspirat per aquesta novel·la per a crear les seves pròpies visions, imaginacions i idees basades en allò més baix de l'existència humana: un món preocupant, podrit, maliciós, violent i profà que és a la vegada elegant, tendre, glamurós i sagrat.

Artista japonés de Danza Butoh, mestre i coreògraf que resideix a Helsinki, Finlàndia des de 2006, és originari de Kyoto, Japó. Va estudiar l'estil únic dels dos fundadors del Butoh, Kazuo Ohno i Tatsumi Hijkata i també ha estudiat dansa expressionista alemanya, que va tenir una influència considerable sobre el Butoh.
El seu estil d'actuació i d'ensenyament combina elements del Butoh amb la seva experiència en teatre, gimnàstica, cant, arts marcials, ioga i meditació Zen.
Ken Mai ha estat ensenyant, realitzant i dirigint projectes en col·laboració amb músics, escultors, pintors i artistes visuals de gran reconeixement en tot el món.

Un nuevo trabajo, “Nuestra Señora de las Fores”, inspirado por Jean Genet.

Nuestra Señora de las Flores (Notre Dame des Fleurs) fue la primera novela del escritor francés Jean Genet, redactada desde la cárcel en 1942 y publicada en 1943. Esta obra fluida y poética es un relato mayormente autobiográfico del trayecto de un hombre por los bajos mundos de París. Los protagonistas se basan en personajes reales, principalmente homosexuales viviendo al margen de la sociedad. Ken Mai ha sido profundamente inspirado por esta novela para crear sus propias visiones, imaginaciones e ideas basadas en lo más bajo de la existencia humana: un mundo preocupante, podrido, malicioso, violento y profano que es a la vez elegante, tierno, glamuroso y sagrado.

Artista japonés de Danza Butoh, maestro y coreógrafo que reside en Helsinki, Finlandia desde 2006, es originario de Kyoto, Japón.
Estudió el estilo único de los dos fundadores del Butoh, Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata y también ha estudiado Danza Expresionista alemana que tuvo una influencia considerable sobre el Butoh. Su estilo de actuación y de enseñanza combina elementos del Butoh con su experiencia en teatro, gimnasia, canto, artes marciales, yoga y meditación Zen.
Ken Mai ha enseñado, realizado y dirigido proyectos en colaboración con músicos, escultores, pintores y artistas visuales de gran reconocimiento en todo el mundo.

This new work “Our Lady of The Flowers” inspired by Jean Genet.

Our Lady of the Flowers (Notre Dame des Fleurs) was the debut novel of French writer Jean Genet. First published in 1943, he wrote it while in prison in 1942. The free-flowing, poetic novel is a largely autobiographical account of a man's journey through the Parisian underworld. The characters are based on their real-life counterparts, who are mostly homosexuals living on the fringes of society. Ken Mai has been strongly inspired by this novel to create his own visuals, images and ideas based on the depths of human existence; a world which is disturbing, overripe, bitchy, violent and profane and yet at the same time, elegant, tender, glamorous and sacred.

Ken Mai is a Japanese Butoh artist, choreographer and teacher based in Helsinki since 2006, and originally from Kyoto, Japan.
He studied the unique styles of both Butoh founders, Kazuo Ohno and Tatsumi Hijikata, as well as German expressionist dance which has considerable influence on Butoh. His style of performance and teaching combines Butoh elements with a background in acting, gymnastics, singing, martial arts, yoga, and Zen Meditation.
Ken Mai has taught, performed, directed and collaborated with acclaimed musicians, sculptors, painters and visual artists all over the world.

De les arrels de la música creix el gran arbre en clau de trio que aquests músics han alimentat en les seves dolces melodies, i que porta en les seves branques fulles de tot el món.

Mû
Nascut a Guinea Bissau, ha assimilat des de la infància la tradició musical de la seva terra natal, una herència de la qual mai s'ha desprès a mesura que ha anat incorporant altres estils i gèneres com el jazz, el blues, el reggae, el gospel, els ritmes flamencs, la música llatina... Una variada amalgama que ha posat en pràctica al costat de formacions i solistes com Manu Dibango, Kathy Autrey, Rosa Zaragoza, José Luís Montón i La Locomotora Negra, entre d'altres. Actualment desenvolupa també la seva carrera musical en solitari i forma part de Nua Trio, Qbamba, Candelaria i The Tree Trio.

Rashmi V. Bhatt
Nascut a la Índia, va créixer a Pondicherry, en un entorn desbordant de dansa, teatre i música hindú. Va estudiar la Taula, instrument de percussió típic de la Índia, sota la tutela de SHRI TORUN BANERJEE. Es trasllada a Europa on rep múltiples invitacions per a tocar juntament amb mestres tals com Krishna Bhatt, S.SHANKAR, Debiprasad Shosh, Pandit Chaurasia, Pandit Arvind Parikh, i amb músics iranis com Ostad Mohammad Eqbal i Majid Darakshani entre d'altres, a França, Suïssa, Alemanya, Dinamarca, Suècia, Espanya, Itàlia, Dubai i Tunis.

De las raízes de la música crece el gran árbol en clave de trío que estos músicos han alimentado con sus dulces melodías, y que lleva en sus ramas hojas de todo el mundo.

Mû
Nacido en Guinea Bissau, ha asimilado des de su infancia la tradición musical de su tierra natal, una herencia de la que nunca se ha desprendido a medida que ha ido incorporando otros estilos y géneros como el jazz, el blues, el reggae, el góspel, los ritmos flamencos, la música latina... Una variada amalgama que ha puesto en práctica al lado de formaciones y solistas como Manu Dibango, Kathy Autrey, Rosa Zaragoza, José Luís Montón y La Locomotora Negra, entre otros. Actualmente desarrolla también su carrera musical en solitario y forma parte de Nua Trio , Qbamba, Candelaria y The Tree Trio.

Rashmi V. Bhatt
Nacido en India, creció en Pondicherry, en un entorno rebosante de danza, teatro y música hindú. Estudió la Tabla, el instrumento de percusión típico de la India, bajo la tutela de SHRI TORUN BANERJEE. Se traslada a Europa donde recibe múltiples invitaciones para tocar junto con maestros tales como Krishna Bhatt, S.SHANKAR, Debiprasad Ghosh, Pandit Chaurasia, Pandit Arvind Parikh, y con músicos iraníes como Ostad Mohammad Eqbal y Majid Darakshani entre otros, en Francia, Suiza, Alemania, Dinamarca, Suecia, España, Italia, Dubai y Túnez.

From the roots of music grows the great trio-shaped tree that these musicians have nurtured with their sweet melodies, and whose branches bear leaves from all around the world.

Mû
Born in Guinea Bissau, from his early childhood Mû has absorbed the traditional music of his birth nation, a heritage from which he has never strayed but to which he has added other styles and genres such as jazz, blues, reggae, gospel, flamenco rhythms, Latin beats… A varied amalgam that he has put into practice alongside soloists and formations such as Manu Dibango, Kathy Autrey, Rosa Zaragoza, José Luís Montón and La Locomotora Negra among others. He is currently developing his solo career as well as continuing as a member of Nua Trio, Qbamba, Candelaria and The Tree Trio.

Rashmi V. Bhatt
Born in India, Rashmi V. Bhatt grew up in Pondicherry, in an environment permeated with dance, theatre and Indian music. He studied the art of Tabla, the typical percussion of India, under the guidance of SHRI TORUN BANERJEE. After moving to Europe, he is constantly invited to perform in concerts with masters like Krishna Bhatt, S. SHANKAR, Debiprasad Ghosh, Pandit Chaurasia, Pandit Arvind Parikh, with Ostad Mohammad Eqbal and Majid Darakhshani from Iran etc .. in France, Switzerland, Germany, Denmark, Sweden, Spain and Italy, Dubai, Tunisia.

Interessada en les opcions amb les que et trobes treballant amb una peça i el problema que per moments representa elegir alguna d'elles (sabent que cada opció dóna lloc a un nou camí), El fin de los principios és una peça coreogràfica en la que s'exposen totes les possibilitats de com podria començar una obra, deixant oberta a la especulació de l'espectador les diferents realitats a les que portarien aquestes.
Per a realitzar l'obra vaig enviar a persones de diferents disciplines aquesta pregunta: com t'imagines el principi d'una obra de dansa? A partir de les respostes que vaig rebre, vaig crear la peça. Les veus en off de les persones imaginant un principi d'obra funcionen com a partitura.

Anabella Pareja Robinson
Des del 2006 desenvolupa de manera independent el seu treball com a coreògrafa, davant la necessitat de trobar un llenguatge propi entre la coreografia, la dansa, la performance, el vídeo i el teatre, creant les peces com El fin de los principios (2012), Las cosas no son (sino) lo que son (2010-2011) i Segunda Temporada (2010), entre d'altres.
Juntament amb Leonardo Martins, crea al 2007 el Colectivo Fresco, projecte per la investigació de les arts visuals i escèniques.
Actualment forma part del Colectivo AM, amb qui ha creat el fòrum Sala Tomada (2012) al Teatro de la Danza i les peces Mexican Dance (2011) i La Coronela (2012), i amb qui ha editat el llibre receptario coreográfico, un roadbook.text en procés (2012).

Interesada en las opciones con las que te encuentras al trabajar una pieza y el problema que por momentos representa elegir alguna de ellas (sabiendo que cada opción da lugar a un nuevo camino), El fin de los principios, es una pieza coreográfica en la que se exponen todas las posibilidades de cómo podría empezar una obra dejando abierta a la especulación del espectador las diferentes realidades a las que llevarían estas. Para realizar la obra envié a personas de diferentes disciplinas la pregunta: ¿Cómo te imaginas el principio de una obra de danza? A partir de las respuestas que recibí, cree la pieza. Las voces en off de las personas imaginando un principio de obra funcionan como partitura.

Anabella Pareja Robinson
Desde 2006 desarrolla de manera independiente su trabajo como coreógrafa, ante la necesidad de encontrar un lenguaje propio entre la coreografía, la danza, la performance, el video y el teatro, creando las piezas como El fin de los principios (2012), Las cosas no son (sino) lo que son (2010-2011) y Segunda Temporada (2010), entre otras.
Junto con Leonardo Martins crea en 2007 el Colectivo Fresco, proyecto para la investigación de las artes visuales y escénicas. Actualmente forma parte del Colectivo AM, con quienes ha creado el foro Sala Tomada (2010) en el Teatro de la Danza y las piezas Mexican Dance (2011) y La Coronela (2012), y editado el libro recetario coreográfico, un roadbook.texto en proceso (2012).

She is interested in the choices one faces while working on a piece and the problems that can arise when making each of those choices, with the knowledge that each option will lead to a different result. El fin de los principios (The End of Beginnings) is a choreographed work in which all the possibilities of how a show could begin are exposed, leaving open to the spectator the various realities to which each decision would lead.
In order to devise this piece I sent the following question to various artists in different disciplines: How do you imagine the beginning of a dance piece? I created the piece based on the answers I received. The voices of people imagining the beginning of a piece act as the score.

Anabella Pareja Robinson
Has been developing her own particular brand of choreography as a way of meeting the need for a new and personal language incorporating dance, choreography, performance, video and theatre. Her work includes El fin de los principios (2012), Las cosas no son (sino) lo que son (2010-2011) and Segunda Temporada (2010).
Together with Leonardo Martins she created Colectivo Fresco in 2007, a project investigating visual and performance arts.
At the moment she is a member of Colectivo AM, with whom she has devised the Sala Tomada forum 2010 at the Teatro de la Danza, and the performance pieces Mexican Dance (2011) and La Coronela (2012) as well as publishing recetario coreográfico, a roadbook text in process (2012).