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★ 11-14 Febrer 11-14 Febrero 11-14 February ★


TWINS EXPERIMENT


¿Cómo se hace una performance?


ESTRENA

durada / duración / running time: 50 min

nous llenguatges del cos
nuevos lenguajes del cuerpo
new body languages

HORARIS HORARIOS SCHEDULES
11 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
12 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
13 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
14 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE


















Creadores e intèrprets: Ainhoa Hernandez i Laura Ramirez
Advisor: Cris Blanco
Col.laboradors: PLAYdramaturgia
RecolÇaments: Vértico/Espai en blanc/ La caldera Les Corts
Agraiments: https://vimeo.com/148324913

comosehaceunaperformance.wordpress.com

CRIS BLANCO sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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Un día de 2015 mientras algunos rezagados que no nos íbamos nunca de Pradillo bailábamos un tema de Rhianna y/o de Kiesza y/o de Pulp Ainhoa y Laura se me acercaron y me dijeron: “hola, queremos hacer nuestra primera pieza, va de intentar saber cómo se hace una performance y queremos que tú seas nuestra coach”. Yo les dije que sí corriendo y seguimos bailando muy contentas. No siempre se tiene la oportunidad de asistir a la primera pieza de alguien, que te dejen asomar la nariz ahí me parece un reto y una suerte. [+]

Y desde entonces me fui asomando, no tanto como me hubiera gustado porque el tiempo y el espacio son unos factores que, por algún misterio, todavía no dominamos, y he ido viendo cómo le preguntaban a sus madres “qué es y cómo se hace una una performance?” y a todo el que pillaban, y a mí que les decía que no tengo ni idea, y se fueron a Ámsterdam a hacer las pruebas para entrar en la SNDO, y allí vieron muchas performances, y se preguntaban si para hacer una performance hay que usar muchos objetos, y llevar zapatillas New Balance, y calcetines brillantes, y si hay que saber quién es Marten Spangberg, y después conocieron a Marten Spangberg y les pareció muy bien, y se fueron a Brest y Barcelona y a PAF (Performing Arts Forum), cada vez viendo más piezas y reconstruyéndolas de memoria, y se atascaron porque ahora parecía que estaban aprendiendo demasiado sobre performance y se desatascaron porque estaban juntas y ellas en realidad lo que querían era ser twins, gemelas, ser iguales, ser una misma persona, pensar lo mismo, hacer todo juntas y a la vez, y vieron muchos videos de gemelos y se pusieron a jugar juntas, a practicar, y decidieron meter el proceso en la práctica, o que la práctica fuera el proceso y que fuera un juego y que sería lo que enseñarían como performance . Se preguntaban por la performance y se toparon con el juego y sus reglas, algo tendrán que ver.

Yo he tenido la suerte de ver algo del proceso y me ha parecido emocionante. Ahora os podéis asomar vosotros también a ese proceso. Hay que ir a verlo, hay que verlas practicar, hay que ir a ver la primera pieza de alguien, hay que ver si se han convertido en twins, si llevan New Balance y si les sigue interesando saber cómo se hace una performance o se han puesto a hacerla.

PLAYDRAMATURGIA sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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Se pisan las frases.

Claro.

Es como si tuvieran un Dropbox o algo así desde el que sacar las frases juntas.

Se ríen mazo.

Las Twins son las Titwins. Antes se llamaban así pero les sonaba a mono tití o a T-shirt o a dibujito animado, no lo sé, pero para mí que suena más cerca de lo que son, menos a gemelas gemelas y más a un nombre cualquiera con cualesquiera que sean las abstracciones que vaya a nombrar o para lo que sirva llamarse así. [+]

Los nombres comprometen, lo dice uno que se apellida Dramaturgia, que es jodido, y a la vez sirven para crear un diálogo interno con la propia práctica o familia. Para decirla o desdecirla. Estas gemelas, que ni lo son ni casi nunca lo parecen, se apellidan Experiment, que es lo más parecido a Expósito, el apellido aquel de aquellos horfanatos. El experimento no es otro que intentar saber cómo se hace una performance.

Las Titwins se preguntan, como nosotros, de dónde vienen las cosas que les gustan, las que llevan viendo vorazmente y motivando viajes y haciéndoles llenar libretas con ideas e impresiones desde hace un par de años. Cuál ha sido la gestación de sus cosas favoritas, cómo gestionar esta lluvia de cuerpos que hacen cosas en escena, qué hay de herencias, de estilos, de tendencias. De familias.

Lo chungo de la purpurina es que no te la quitas de encima en años, siempre queda alguna motita por ahí rondando.

Yo fui este finde al Antic a ver lo de Pere Faura. Una invocación de coreografías top de musicales hit al servicio de otras cosas. Me emocioné mucho al ver a Oihana en escena. Birra en mano le contaba a Oihana que había leído el uso de las frases coreográficas como citas; también frases que se extraen de allá para ponerlas acá y que sirven para apoyar una idea normalmente distinta a la que trae, que discurre en un cuerpo de texto mayor y también distinto al de la cita en sí, menos en Tinder. Al citar es inevitable atravesar lo que se dice. Y ese a través activa un juego doble con el respeto: por un lado, es un gesto de reconocimiento; por otro, una apropiación utilitaria.

Lo que me gustaba mientras veía lo de Pere es lo que me suele gustar de vivenciar la escena: la profunda sensación de presente, la comprensión de unos materiales en purito gerundio. Y es que las citas, cuando se las resucita, abandonan el participio. Y pienso ahora que no hay nada que tenga más sentido recuperar (repertoriar) para poner en contractura con el presente que el movimiento.

Desde este prisma recupero ahora las sensaciones del primer encuentro con las Twins alrededor de este trabajo que traen ahora al Antic, en Madrid, allá por mayo. Y cómo se preguntaban cómo se hace una performance precisamente citando un montón de frases coreográficas que les habían interesado en algún momento o parecido importante; que reconocían por lo que sea y que, en su mayoría, nosotros también, como espectadores, hacíamos al presenciarlas.

Me gusta reconocer citas en pintura, en el flamenco, me gustan los samplers en el rap y los mashups por todos lados y las apropiaciones a lo Sherrie Levine y los covers en YouTube. Pero lo que me flipa es comprobar que toda esa fuerza por poner en gerundio lo que existe en participio cobra auténtico sentido cuando se organiza, ahora, para construir algo más. Y es ahí dónde reside este experimento y mi deseo por estar delante.

Al poco de llegar a su casa con las maletas a cuestas, preguntaba Oihana a las Twins si necesitarían algo más de lo obvio. Una de las dos le contestó con lo que sonó a la única respuesta necesaria: “No, para la práctica lo importante es estar juntas”.

Javi de Play



Ayer me quedé dormido leyendo a Eduardo Haro Ibars en una frase que decía: “Flash Gordon explica los secretos del oficio: saberse el guión y no tropezar con los muebles”. Todavía no sé qué significa, y por eso me gusta. Sí intuyo que Flash Gordon empezaría a currar en lo suyo sabiéndose el guión y no tropezando con los muebles, pero que poco a poco iría desprendiéndose del texto hasta que los muebles desaparecieron, y que así es como consiguió moverse como un rayo.

Las Twins comparten ahora su primer trabajo, pero viene de lejos, de antes de que empezara. Quizás del momento en el que comenzaron a desprenderse. Y puede que ese momento fuera un laboratorio con Paz Rojo en el participaron Ainhoa y Laura que, precisamente, iba de eso, de desprenderse para dejar de ser algo y abrir campos a otros movimientos. Posibilidades que sólo tienen sentido en forma de pregunta, ya que a veces no consiste más que en jugar con la respuesta.

“¿Cómo se hace un perfomance?” supongo que va de eso. Cada vez tengo menos claro qué es una obra de teatro, de danza, una performance o como lo llamen, y mucho menos cómo se hace eso que dice Valcárcel Medina que tiene fecha, hora, lugar y duración, eso para lo que se convoca a un público. En caso de haberlas, hay obras y hay obras. Hace unas semanas entre cañas me contaba un colega que había visto una obra de Mårten Spångberg. No me dijo nada. Sólo apuntó una idea. Que le molaba esa obra de Spångberg porque no entraba en la dialéctica vanguardia-retaguardia. Es decir: viejonuevo, guay-no guay. Y eso, para mí, a día de hoy, si es que es cierto o posible o me lo quiero creer, es uno de los lugares desde el que trabajar que más me acerca a las obras en el caso de haberlas. No salirse, ni siquiera entrar en las formas, las herramientas, los conceptos y los ademanes que han convertido la obsesión por la novedad y lo original en uno de nuestros peores enemigos como creadores, pero también como público (o “consumidores”). Los “decididores” (su propaganda) lo saben, lo están explotando, y como decían Los Planteas, seguimos “aquí dando vueltas” como si no consiguiéramos desprendernos de su maquinaria. Me gusta encontrarme con personas que se centran en generar las condiciones de presente para por si acaso logramos entre todos que se produzca una apertura, y ya. Yo sólo con eso flipo. Mazo. Molt. Todavía no he visto la primera obra de las Twins Experiment, pero conozco su recorrido y el lugar desde el que están peleando por trabajar, y creo que “por allí resopla”. Por eso quiero ir a ver cómo se preguntan cómo se hace una performance.

María Salgado nos decía en un taller hace poco que en literatura, como en los demás ámbitos, siempre se tiende a estar con o en contra. Javi cita mucho a María para defender estar con. Para esta obra las Twins empezaron a trabajar con los materiales de obras de Aitana Cordero, Aleksandra Lemm y Emma Daniel, Paz Rojo, Cris Blanco, Eva Meyer Keller, con lugares, con libros, con… De todo eso se habrán desprendido, y habrán conseguido abrir otros campos en su juego por responder a la pregunta. Por eso quiero ir a ver “¿Cómo se hace una performance?” Por eso y para que me inviten con mi Carnet de Prensa de Teatron a una caña en el Antic Teatre.

Fer de Play!

MAR MEDINA sobre ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment:
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El cuerpo de este texto ha surgido de una partida. Las Twins esencialmente juegan, así que les propuse a Laura y Ainhoa jugar una partida de SUSANA*, que es un juego para hablar de cosas, y escribir sobre su trabajo. [+]

Las instrucciones del juego determinan un mínimo de tres jugadores, uno de los cuales será SUSANA y los otros dos los asistentes que, mediante el diálogo, la ayudarán a articular, desplegar o reconducir su discurso en relación a las preguntas de cada tirada. Como las Twins juegan a ser una sola mente, me puse a pensar que ocurriría si tuviesen que darse la voz entre ellas para responder. Así que les propuse una escisión y, dividiéndolas entre SUSANA y asistente, salieron a jugar Laura y Ainhoa. Sin tiempo para ponerse de acuerdo previamente y alternando de lado a lado de la cancha han estado, aunque sin estarlo nunca, en el mismo equipo.

Lo que sigue a continuación es la transcripción de esa conversación alrededor de ¿Cómo se hace una performance? de Twins Experiment. Estuvimos hablando 45 minutos. Lo mismo que dura la pieza que presentan en Antic Teatre durante este fin de semana.

SUSANA es ahora Ainhoa:
¿Por qué te interesa trabajar con este medio?

-Medio. El medio. Supongo que nos estaremos refiriendo a… hmmm… Lo primero que me viene a la cabeza es la performance. Entonces, si es la performance, ¿por qué me interesa trabajar con este medio? Porque tiene que ver con un lugar en el que se explora. Que difícil es esto. A ver… (Laura como asistente dice “Jo, Ainhoa!, pero si lo hemos hablado mil veces!). Porque es un lugar en el que se explora desde la investigación, la experimentación, porque no hay tanta sensación de farsa… no sé. “A ver, como te asisto?” dice Laura. Y prosigue: “viniendo de donde venimos, del teatro físico, o viniendo de lo último que hicimos antes de esto que fue un Chejov, te empezó a interesar la performance a raíz de ¿Qué puede un cuerpo? de Paz Rojo, no? Y te acuerdas que hablamos de qué nos pasó cuando vimos los dúos? De qué pasó ahí? “. “Sí!”, dice Ainhoa, “como que de repente descubres un nuevo medio que no es en el que has estado trabajando y te pones a trabajar desde otro lugar que no es el de la interpretación. De una manera que te lleva más allá del lugar de representación, más allá de la posibilidad de representar. Y añade, “y hay algo como con el presente también. Con lo que pasa ahí en ese momento. Y también en la relación con el espectador. El lugar desde el que trabajas es completamente diferente. Emborronado… como yo ahora. Y también por el riesgo. Sí, el riesgo. -O sea, que a ti te pone? -Me pone, me pone… (risas) -Que bruta!… -A mi también.

SUSANA es ahora Laura:
¿El formato con el que estás trabajando es el formato adecuado para hacer lo que quieres hacer?

-“Puedo decir sí o no y chao, no?” -Sí (risas). “Pero es como el “sí y además”, no?” añade sonriendo y se dispone a contestar. “Considerando en este caso formato como acto escénico que voy a compartir, sí. Creo que es adecuado el hacerlo para que otra gente lo vea”. “Igual tiene que ver con el dispositivo”, apunta Ainhoa. “El dispositivo, vale sí”. Sigue Laura, “si le llamo formato a lo que nosotras hacemos que es un juego, un juego en el que Laura y Ainhoa entran, las Twins juegan 45 minutos, y Laura y Ainhoa se van, creo que es el formato adecuado porque a lo largo de un año y medio de proceso todo ha sido, de manera muy inconsciente, como un juego. En el sentido en que nos juntábamos para hacer prácticas comunes como reproducir piezas que ya existen, leer… la manera de hacer ha llevado a que el formato sea un juego. No lo encontramos realmente hasta después de un año, o sea, no lo pudimos nombrar como juego hasta después de ese tiempo. Nunca quisimos hacer un juego, nunca fue la idea, pero todo tenía esa dinámica que no sé como es (mueve las manos como moviendo cosas invisibles de sitio), sólo sé reproducirla con las manos”. Y sigue, “creo también que dentro del juego tú tienes una serie de pautas, de cosas a hacer, pero cómo las haces, en qué tiempo las haces, para qué las haces, en qué desembocan… Todas esas preguntas vienen a posteriori. Y todo eso es el riesgo que nosotras querermos asumir. Por eso creo que, a día de hoy, este formato de juego es el que mejor contiene el trabajo de un año y medio. -Si el formato se deriva del proceso suele ser así. -“Pues un sí”.

SUSANA es ahora Ainhoa:
¿Qué materiales necesitas?

-El cuerpo. A mi Twin, a mi otro cuerpo. El cuerpo, sí, porque si no tengo cuerpo no puedo acceder a otro cuerpo. Necesito también una kettle con una luz azul, dos micrófonos, una playlist bastante variada, dos pares de zapatillas, unas bragas, dos petos, dos cajas, rotuladores, sudaderas Adidas, Rihanna… “Qué más materiales?” Se pregunta. Y Laura toma el relevo, saltándose las reglas, y añade: “una linterna de muchos colores, libros, waffles, calcetines de rayas, una tela de colores con purpurina, pintauñas de purpurina, los tatuajes, los brillitos, a Perec, a Agamben”. Y Ainhoa sigue “sí, y agua, un proyector, capsulas de té, Céline Dion, las tazas de camping, unas luces de bici. Y luego todos los objetos que están pero que no salen. Que están ahí sólo porque tienen que estar, no sabemos por qué, pero no hay manera de desprenderse de ellos”.

SUSANA es ahora Laura:
¿Si no tienes las herramientas necesarias cómo te las inventas?

-Partiendo del hecho de que cuando empecé a hacer esto consideré que no tenía las herramientas y me las inventé, creo que sólo tienes que hacerlo. Es algo así como probar. Te pasa una cosa por la cabeza y la pruebas. En este caso como era con Ainhoa, lo que me pasaba por la cabeza lo compartía con ella. A veces, al compartir esa herramienta imaginada la clarificaba y una vez clarificada la ponía en práctica. Y sirviese o no sirviese ahí quedaba. -El compartir es entonces un generador de herramientas. Ainhoa dice en voz baja “…es que nos hemos inventado todo…”. Y Laura sigue: “Y la observación. Si no tienes herramientas te las puedes inventar observando. En algunos contextos la observación se ha perdido. Nosotras hemos observado mucho. Me he dado cuenta de que durante un año y medio he observado mucho. A mucha gente, muchas piezas”. Empiezan a hablar al unísono, “es un poco científico: tienes la observación, la hipótesis…”. Y sigue Laura, “de ahí sale un invento. Es como una fórmula, no es que invente de la nada. El inventar es un proceso, un trabajo. Y hay algo también de estar muy abierta a inventar, disponible. Porque igual lo que se te pasa por la cabeza no pertenece a un patrón, a un contexto, a una estructura o a una forma reconocible, porque igual es algo nuevo para ti y para apreciar eso tiene que haber una puertecita abierta”.

SUSANA es ahora Ainhoa:

¿Puedes aplicar tu práctica o metodología a otra profesión o disciplina y viceversa?

-Yo creo que sí. En relación a la metodología sí. A través de poner cosas en el espacio hemos empezado a entender lo que hacemos juntas y el porqué lo hacemos juntas. El encontrar ese universo común se ha transformado en una metodología, en una manera de trabajar. A ese nivel hay algo de ir generando metodología mientras haces, en vez de imponer una metodología, que puede aplicarse a otras disciplinas. -Sí, lo veo, pero… ¿vosotras podríais cocinar juntas? ¿Aplicando las reglas de vuestro trabajo en escena, podríais hacer una paella? -Siguiendo las mismas pautas que tiene el juego? Contestan a dúo, una vez más Laura pasa por encima de la red, “¡Pues podría ser!” (risas). Y siguen juntas de manera casi indiscernible: “Sí. Yendo a la base sí. Una cosa detona a otra, una cosa interrumpe a otra, es un juego de detonadores. Entonces sí que podría ser algo así como cuando echas la cebolla y empieza a chisporrotear pues entonces la otra echa el calabacín, y cuando la otra va a echar el arroz la otra dice “no!, que todavía no!” y entonces después echas el agua de golpe y pones música. Y entonces la música tiene que sonar hasta que el agua hierva, y cuando termine de hervir tiene que haber un silencio como de dos minutos para que el arroz esté tranquilito, se repose, y digas: “esto lo he hecho yo” (risas).

SUSANA es ahora Laura:
¿Estás trabajando con el medio adecuado?

-A ti te ha salido antes esa pregunta que hablaba del medio (refiriéndose a Ainhoa) y a mí me ha interpelado. Porque tú has dicho antes la palabra performance. Y yo tengo como un poquito de conflicto ahí entre performance y coreografía. “Estás trabajando con el medio adecuado?” se pregunta a si misma de nuevo en voz alta. Y sigue. “Sí, estoy trabajando con el medio adecuado si digo que mi medio es el trabajo coreográfico. Pero si digo que el medio es el de la performace, no lo sé. No sé. Lo niego casi como por rehuir de algo”. Ainhoa apunta “de un tiempo acá ha habido como un trasvase de significado de la palabra performance a la palabra coreografía, como contenedor de muchas cosas, y como que la frontera está muy desdibujada”. Laura sigue: “Relaciono la performance con el arte de acción pero no sólo es eso, también está relacionada con los años 60, en la órbita del happening y, si tengo en cuenta todo eso, no considero que actualmente sea mi medio porque no estoy haciendo ese tipo de acciones. A lo mejor, como he vuelto de Ámsterdam hace un año y he conocido a gente que trabaja con coreografía estoy más familiarizada con ese medio. -Coreografía expandida. – “Sí. Si lo llamo coreografía, en el sentido más amplio de la palabra, el medio es el adecuado.”

SUSANA es ahora Ainhoa:
¿Hay equilibrio entre práctica y descanso?

-¿En lo que hacemos? No. No hay, no hay, no hay. Ningún equilibrio. No hay descanso. Laura salta la barrera de nuevo y dice: “De hecho Ainhoa pierde continuamente el equilibrio. Muchísimo” (risas). Y Ainhoa sigue: “Sí, yo pierdo constantemente el equilibrio porque no hay descanso. Entonces claro, acabas en el tropiezo. Hay algo de hacer y hacer y cuando lo que estás haciendo no es visible estás haciendo dentro, en la cabeza. Ahí. Todo el rato. Intentado encontrar lo que viene después, intentando encajar las piezas del puzzle”. – ¿El proceso ha sido igual de trepidante? -Ha habido descanso porque no hemos podido hacerlo todo de golpe. Por falta de espacio. Porque si no… si no tendríamos ya tres piezas! (risas). Laura añade, “de hecho tenemos cuatro. Tres en la cabeza y esta” (más risas). Sigue Ainhoa haciendo uso de su turno: “Sí que ha habido espacios de pausa pero en los momentos en que hemos estado ensayando no ha habido descanso. De hecho creo que somos como bastante bestias. ¿Que tenemos la sala de nueve de la mañana a diez de la noche? Pues de nueve de la mañana a diez de la noche estamos en la sala. Y no paramos de trabajar, aunque comamos o nos echemos la siesta juntas, sigue siendo trabajo. Hay una especie de cosa como de mantener la actividad volcada hacia el trabajo todo el rato. De mantener el proceso activo todo el tiempo. Por lo tanto no hay equilibrio. Y esto también es generacional y también es de ahora, está todo el rato presente el ¿si no estás trabajando que estás haciendo? Si no estás trabajando no estás haciendo nada. El ocio queda al margen. Está mal visto. Descansar es malo. Hay algo muy chungo. Tenemos muy presente esta cosa de la multiventana, que es muy peligrosa. Parece que sólo estás haciendo un video para subir a Youtube pero a la vez sabes que te va a servir para hacer nosequé y a la vez te está inspirando para otra cosa futura. Y a la vez estás calentando el tupper con la comida. Y todo lleno. Todo lleno y todo vacío. Porque de repente te sientes como que ya no hay más. Yo creo que hasta los sueños a veces están como fracturados también. Lo multitodo. Míranos. Estamos multi. Hablando y dibujando a la vez. Increíble.

SUSANA es ahora Laura:
¿Qué lenguaje necesitas para hacer lo que haces?

-No es broma. Necesitaría el lenguaje telepático. Digamos que tengo el lenguaje verbal y el no verbal, pero me doy cuenta de que para hacer lo que hago necesito inventarme un lenguaje nuevo, que ahora ya existe y es el de las Twins, que tiene mucho que ver con pasar tiempo juntas. Al estar tanto tiempo juntas se ha ido desarrollando un lenguaje sin querer. (Empiezan a hablar a la vez, doblando la voz) “Como que se te pegan gestos, haces cosas a la vez, asocias cosas a la vez”. “Me estoy metiendo, me callo”, dice Ainhoa. Y Laura sigue. “Claro, ves, te crees que sabes lo que la otra piensa y lo dices. No nos diferenciamos. En realidad ahora porque estás tú pero cuando hablamos y no hay nadie más una acaba las frases de la otra o hablamos raro” (empiezan de nuevo a hablar a la vez y reímos). Laura sigue: “Realmente creo que funcionaría muy bien la telepatía entre las dos. ¿Las twins como se comunican? Nos hemos planteado el lenjuage verbal dentro de la pieza, porque entre nosotras no hablamos. Las Twins no hablan, así que al principio cada vez que queríamos decirnos algo lo hacíamos mediante medios, utilizando un chat o el traductor de Google. Y si hablamos para el público, hablamos las dos a la vez. Con la misma entonación, los mismos tiempos, si no, no hablamos. No lo necesitamos. Y si necesitamos que la otra se entere de algo es casi intentar comunicar con la mirada… algo casi medio telepático, sí. Últimamente está saliendo lo onomatopéyico y el uso de los emoticonos”. “Sí”, dice Ainhoa, “y ahí es donde decimos cultura de masas, toda esa sobreestimulación, toda esta cosa de nuestra generación que es como… es muy fuerte”. Y Laura sigue “es como que de repente dices este emoticono somos nosotras, y si te pongo esto y esto otro quiere decir esta cosa” (suena el tono de aviso de mensaje de whatsapp en mi móvil). -Entonces eso es estar huyendo de la representación y yendo a buscar aquello que te representa. Laura contesta: “Es muy fuerte, eh. Yo creo que eso ocurre también porque a nosotras nos pesa un poquito el lenguaje. El lenguaje verbal, el lenguaje del teatro, la declamación, y eso que venimos del teatro físico. Aún así hay mucho peso de la palabra.”

SUSANA es ahora Ainhoa:
¿Eres flexible en lo que haces?

-Bueno, partiendo de la base de que lo que hago es porque he sido flexible pues supongo que sí, no? Me refiero a que tiene que haber algo premeable para encontrar ese lugar común y esa metodología de trabajo. Si no hay una flexibilidad y tú lo que quieres hacer es una técnica concreta pues eso es lo que va a haber. “Oh! y yo le puedo hacer una pregunta?” dice Laura. -No. Hay una targeta para formular una pregunta pero nos tendría que salir. -Pues no la hago pero me la guardo aquí en la multicosa (risas). Ainhoa sigue: “Supongo que soy flexible hasta un punto”. -“Hasta que punto?”, dice Laura, y me pregunta en voz baja, “eso sí puedo, no?”) -“Hasta que punto?”. Ainhoa responde: “Pues ahora, por ejemplo, supongo que con lo que tenemos soy menos flexible, porque hay algo que está, y si ahora de repente eso fuese de nuevo un lugar de…”. (Laura interrumpe y se inicia un diálogo entre ellas dos) -O sea, que eres flexible en la investigación pero cuando encuentras una especie de dispositivo ya dejas de ser flexible? Eso es lo que estoy entendiendo yo ahora. -Pues no lo sé… -Flexible físicamente eres, eso sí… (risas) -Bueno, pues ya está. Lo dejamos aquí (más risas). -Esto nos va a dar para tema de conversación toda la semana…

SUSANA es ahora Laura:
¿Le dedicarías un año más a desarrollar tu idea?

-No, yo creo que ya esta idea se va a desarrollar compartiéndola con el público. No le daría un año más a esta idea. A la idea de Ainhoa y yo solas en un estudio no. Porque la pieza que falta es lo externo a nosotras. Un año y medio de endogamia es suficiente. Ahora ya está.

SUSANA sigue siendo Laura:
¿Con qué herramientas trabajas?

-Una herramienta muy potente es Ainhoa (risas). Dirigiéndose a Ainhoa, “no es que te quiera llamar herramienta”. Pero es la más potente. Es como cuando tú ves a los bailarines de Graham que se rinden a esa técnica. A esa herramienta. Pues a mí me pasa lo mismo con ella. Que yo me rindo. Y digo, “pues venga, pues vamos”. Ahora te veo como un destornillador… La herramienta es el cuerpo. -Y los objetos? -Eso es un temazo. -Sí, por eso lo saco. Laura me contesta. “Ha habido momentos en que he pensado que los objetos eran un lugar para agarrarnos cuando estábamos indefensas o indecisas. Sirven para, a través de ellos, hacer algo. Son el passing through. Todo pasa por ellos. Son canalizadores.” -Todo lo que pasa en escena está mediado por vuestros cuerpos y los objetos. La dinámica que recuerdo de la muestra de vuestro trabajo en La Caldera es la de un cuerpo que entra en acción por medio de un objeto que aparece. Así que creo que ahí hay una relación instrumental con el objeto muy potente que está creando una manera de hacer todo el rato. Laura me explica: “Antes salían muchos más objetos que ahora se están quedando dentro de las cajas. Ya no salen objetos porque sí. Aunque más que los “por qué” nos planteábamos los “para qué”. Para qué ponemos esto aquí? Muchísimos de los objetos son derivados de estéticas o nos recuerdan a piezas. “Algunos son memoria” dice Ainhoa, sáltandose las reglas del juego. Y sigue: “la kettel azul es de nuestra casa de Ámsterdam…, es que hay algo ahí entre la vida y lo que hacemos muy difuso. Yo hay veces que no sé si la vida es lo que hacemos en la pieza o si lo que estamos haciendo ahora mismo es la pieza. Se difumina mucho también por la relación que tenemos”. -Hay un lugar no jerárquico también en la relación que se establece en escena cuando se está mirando desde fuera. Entre vuestras acciones y las acciones de los objetos se establece un paralelismo. Por ejemplo, Ainhoa pone la kettle y la kettle calienta el agua. Llega un momento, cuando ha pasado el tiempo suficiente, en el que el efecto de vuestras acciones y el efecto que producen los objetos sobre todo lo demás se equipara. El sujeto de la segunda parte de la oración, la kettle, se coloca como sujeto al mismo nivel que Ainhoa. Ainhoa me contesta: “Hay algo muy importante en relación a nosotras con los objetos. Los objetos son los dueños del mundo. Nosotras somos menos que los objetos. Nosotras, en concreto, somos mucho de las cositas.” Y Laura sigue: “Vimos unos calcetines con emoticonos y ya se nos estaba yendo un poco de las manos… Somos unas fetichistas, pero a través de todo eso hemos ido construyendo una identidad. Nos hicimos muchísimas preguntas. Hubo un tiempo en que nos cuestionamos la estética del performer. Hay muchas tendencias. Cuando estás en diferentes contextos te fijas en la gente, en cómo viste, cómo se peina… Porque nosotros estamos en España. Y España no está en el triángulo de las Bermudas que forman Ámsterdam, Bruselas y Berlín. Esas tres ciudades se codean. Y es casi como que marcan algo”. Y Ainhoa añade: “Hay algo como de lo último, de lo último, de lo último que está ahí. Algo de la calle, algo de la cultura de masas. “Sí!”, sigue Laura, “salieron los aparatitos estos que ahora se llevan que son como un patinete eléctrico y a los tres días estábamos viendo uno en una pieza”. -Es lo que vosotras decís de la incorporación, es lo mismo que hace la publicidad, es una manera de hacer muy de ahora. Tengo esto y lo incorporo. Las prácticas absorven del medio de manera inmediata, en la medida en que algo está apareciendo ya está siendo puesto en escena. Además, el límite entre lo que se enseña y lo que no es cada vez más fino. Los medios están ahí, podríamos colgar una foto de lo que estamos haciendo ahora mismo en Instagram. Y Ainhoa añade, haciendo un chasquido de dedos: “Ya. Así. Esto podría ser una pieza para tres personas que actúan y son espectadoras a la vez”.

La alarma que marcaba el fin de los 45 minutos no sonó y al acabar de hablar de las herramientas habíamos saltado ya al minuto 2 de la prórroga. Yo que les iba a decir de volver a tirar. Ellas siguen en juego en Barcelona aún dos días más, hoy y mañana en el Antic.

*SUSANA ha sido desarrollado inicialmente por Aimar Pérez Galí, Clara Tena, Carme Torrent i Mar Medina en residencia en el Centre Choreographique National Rubaix Nord-Pas de Callais (Francia).

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Es la pregunta des la que parteixen Ainhoa i Laura.
Es una pràctica comú.
Es una recerca.
Es un viatge de transformació.
Es un aprenentatge.
Es un dispositiu.
Es un joc.
Es l’escalfament per el que pugui venir.

¿COM ES FA UNA PERFORMANCE? está composada com un collage de materials que editem a temps real. Apareix la multitarea, la sobre–estimulació, el consum de la cultura de masses, i a la vegada, la nostra necessitat del retrovarnos, de estar juntes, de crear vincles i de prendre riscos que ens transformen. Es un joc per a dues jugadores, Las Twins.Son jugadores.elles surten al tauler per experimentar amb tots aquests materials. //La pràctica es la recerca, la recerca es la peça//

Either of two persons or things closely resembling each other.
Being one of a pair, identical; twin towers.
Made of two similar parts connected.

Ainhoa i Laura
Son de Madrid. Bessones. Foren separades al néixer i es van retrobar al 2014. Juntes son Twins experiment. Juntes fan playlist, llistes, esquemes, collages.
Fan la seva primera peça juntes, ballen, dormen, creen jocs i de vegades comparteixen un pis.
Twins son dues i son col.lectiu, treballen des la afectivitat, la telepatia i la horitzontalitat. Esser Twins els hi permet prendre riscos que no prendrien soles, juntes es converteixen en superherois.

Es la pregunta desde la que parten Ainhoa y Laura
Es una práctica común
Es una búsqueda
Es un viaje de transformación
Es un aprendizaje
Es un dispositivo
Es un juego
Es el calentamiento para lo que vendrá

¿CÓMO SE HACE UNA PERFORMANCE? es compuesta como un collage de materiales que editamos a tiempo real. Aparece la multitarea, la sobre-estimulación, el consumo de la cultura de masas, y a la vez, nuestra necesidad del encuentro, de estar juntas, de crear vínculos y de tomar riesgos que nos transformen.
Es un juego para dos jugadoras, Las Twins. Ellas son las jugadoras. Ellas salen al tablero para experimentar con todos estos materiales. // La práctica es la búsqueda, la búsqueda es la pieza //

Either of two persons or things closely resembling each other.
Being one of a pair, identical; twin towers.
Made of two similar parts connected.

Ainhoa y Laura
Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages.
Hacen su primera pieza juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso.
Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes.

It’s the question that’s Ainhoa and Laura’s starting point
It’s common practice
It’s a search
It’s a voyage of transformation
It’s a learning process
It’s a device
It’s a game
It’s the warm-up for what’s to come

How is a performance done? is constructed as a collage of different materials that are edited in real time. We get multi-tasking, overstimulation, the consumption of mass culture, and at the same time, our need to meet up, to be together, to create links and take risks that will transform us.
It’s a game for two players, the Twins. They are the players. They come onto the board to experiment with all these materials.
// practice is the search; the search is the show //

Either of two persons or things closely resembling each other.
Being one of a pair, identical; twin towers.
Made of two similar parts connected

Ainhoa and Laura
From Madrid. Twins. Separated at birth and reunited in 2014.
Together they make playlists, lists, charts, collages.
They create their first piece together, they dance, they sleep, they come up with games and, sometimes, they share a flat.
Twins are two and a collective. They work from affection, telepathy and horizontality.
Being Twins allows them to take risks they wouldn’t take alone; together they become superheroes.


★ DIMARTS 16, 23 Febrer i 1 Març ★
★ MARTES 16, 23 Febrero y 1 Marzo ★
★ TUESDAYS 16th, 23rd February & 1st March ★


ERRATEKE
& PLATAFORMA L'ESPECÍFICA



"Erbeste (boja per complaure)"


Estrena a Catalunya

durada / duración / running time:
70’ + sobremesa con público / discussion with audience

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New Drama


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
DIMARTS / MARTES / TUESDAYS
16, 23 & 1 Març / Marzo / March: 21'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Idea original, textes i dramaturgia: Rakel Ezpeleta
Creat amb la col.laboració de les directores: Simona Quartucci, Iñaki Rikarte i Neus Suñé
Ajudant de dramatugia i direcció: Esther Belvis
Erbeste: Rakel Ezpeleta
Bestea: Hèctor Boada
Composició musical original: Daniel Higiénico i Rakel Ezpeleta
(Altres fragments musicals de: SuTaGar, Mocedades, Telekantak…)
Coreografía L’espera: Elisenda Moya
Coach d’actors: Blanca Martínez
Disseny d’il.luminació: Hèctor Boada
Atrezzo: Teresa del Junco
Disseny gràfic: Marta Extramiana
Fotografías: Sandra Soussa, Beatriz Marahver, Carlos Torrico i Josep Tobella
Videos: Vero Díaz, Nacho Neil i Platanobolígrafo

Mùsics col.laboradors amb enregistraments:
Daniel Higiénico (guitarra, orquestació digital, veu i mescles), David Sam (piano), Manel Romero (batería, arranjaments i mescles), Alex Blanco (baix i arranjaments), Sergio Carmona (guitarres elèctriques i arranjaments), Rakel Ezpeleta (veus)

Correcció i/o adaptació lingüistica: Imanol García (euskera), Haizea Urrutia (euskera), Mikel García (Euskera), Colin Morgan (anglès), Nuria Casas (català), Jaume Rigol (català), Anne Laure Feuillastre (francès)

Coordinació de producció: Rakel Ezpeleta
Co-producció: Cía Errateke – Plataforma l’Específica – BAD
Amb la col.laboració de: Laboratori Tisner i Sala Baratza

www.facebook.com/errateke

ESTHER BELVIS PONS sobre ERBESTE de Rakel Espeleta:
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Para Rakel.

– ¿Cómo te va?
– Bien―respondo.

Entonces empiezo a pensar en cosas pequeñas como el hueco que queda libre al fondo del armario, el retazo de vida que hay detrás de la mirilla de la puerta o las figuras que se forman con el vaho de la ducha. Pienso en esas cosas pequeñas a las que no prestamos atención, esas cosas que solamente se hacen evidentes si uno se para a mirar todo aquello que no tiene aparente interés. Y concentrándome en lo pequeño puedo evitar, al responder “bien”, que mi mirada se pose en lo grande. [+]

Rakel Ezpeleta ha creado esta pieza mostrando sus cosas pequeñas para hablarnos de las grandes. Y lo hace desde esa mirada suya que lo sostiene todo. Porque esta pieza nos enseña a sostener el cuerpo cuando ya parece que hemos perdido todo control sobre el mismo. Un cuerpo descontrolado que a través de sus aspavientos intenta complacer al otro. Un cuerpo dispuesto que se atreve a todo. Un cuerpo que tropieza con el mundo y decide dedicarle una última canción, un último baile, una última cena. Así, un poco entre el amor y el despecho que siente el que irremediablemente se abandona en los brazos de la vida, esperando que el día de mañana sea mejor que el anterior.

Esta pieza hecha de retazos de vida planea sobre todos nosotros; incluso diría que está cocinada con nuestros propios recuerdos. Todos somos un poco Erbeste, este personaje que se apasiona y se pelea tanto con el presente para no hacer balance, para no contarse a sí misma lo que ya no fue, lo que ya seguramente no será. Este personaje que no pertenece a ningún lugar, pero que se cuela en la casa que son nuestros cuerpos; allí donde guardamos las historias, los secretos, las voces. Se cuela para recordarnos, con una sonrisa, que en las casas de todos pasan cosan extrañas. Para decirnos: – Sí, yo también tengo un mundo de cosas pequeñas, que me salva de esa precariedad que me hace sentir todo lo grande.

Porque en un mundo en la que la mayoría respiramos con los pulmones corrompidos, Rakel nos propone esta pieza llena de oxígeno para seguir intentándolo mañana, sea lo que sea lo que cada uno tiene que intentar.

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Docu-ficció satírica en forma de monòleg...sol...recital...una mena de cabaret solitari en el una intèrpret transita ocupacions, ubicacions, idiomes, registres i textures en el seu empeny de trobar un lloc propi. Erbeste mostra la realitat d’una dona migrant que es sent sempre fora de lloc; la rel.lació d’un mateix amb la seva memòria, amb les expectatives alienes i el desitg de pertinença. Erbeste vol arribar a mostrarse com els demes poden demanar que sigui.Tan acostumada es a adaptarse i intentar encaixar ...que per el nord. Algú li va dir que això era part de la vida de comediant, però també li va dir que per triomfar cal ser genuí...¿ A les hores...?

Erbeste es crea a Barcelona i Gasteiz; de la má d’una intèrpret i tres directores (una basc, una catalana i una italiana), un cantautor i una assesora d’asaig i accions per gaudir; en mig de téssis acadèmiques i precarietat laboral.
La dramatúrgia de Erbeste vehicula un treball d’investigació sobre el sentit de pertinença en contextes socioculturals canviants. Durant el procés una intèrpret ha treballat per separat amb tres directores de diferents trajectòries i procedències per desplegar tres mirades al respecte d’una identitat, diferents projeccions del que un mateix es davant de l’altre, tres mètodes de creació al voltant d’un mateix eix temàtic i biogràfic. A sobre d’aquest material escènic s’hi ha compossat la dramatúrgia final.

Docu-ficción satírica en forma de monólogo… solo… recital… una suerte de cabaret solitario en el que una intérprete transita ocupaciones, ubicaciones, idiomas, registros y texturas en su afán por encontrar un lugar propio. Erbeste muestra la realidad de una mujer migrante que se siente desubicada; la relación de uno con su propia memoria, con las expectativas ajenas y con el deseo de pertenencia.
Erbeste quiere llegar a mostrarse como los demás puedan pedirle que sea. Tan acostumbrada está a adaptarse e intentar encajar que se desorienta. Alguien le dijo que esto formaba parte de la vida de comediante, pero también le dijo que para triunfar hay que ser genuino… ¿Entonces…?

Erbeste se crea entre Barcelona y Gasteiz; entre una intérprete y tres directoras (un vasco, una catalana y una italiana), un cantautor y una asesora; entre textos de ensayo y acciones para disfrutar; entre tesis académicas y precariedad laboral.
La dramaturgia de Erbeste vehicula un trabajo de investigación sobre el sentido de pertenencia en contextos socioculturales cambiantes. En el proceso una intérprete ha trabajado separadamente con tres directoras de distintas trayectorias y procedencias para desplegar tres miradas sobre una identidad, distintas proyecciones de lo que es “uno” ante “el otro”, tres métodos de creación en torno a un mismo eje temático y biográfico. Sobre ese material escénico se ha compuesto la dramaturgia final.

Satirical docufiction presented as a monologue… solo... recital…. a kind of solitary cabaret in which a performer goes through occupations, locations, languages, registers and textures in her eagerness to find a place of her own. Erbeste shows the reality of a migrant woman who feels out of place; the relationship we have to our own memories, to other people’s expectations and to the desire to belong. Erbeste wants to show herself as others may want her to appear. She is so used to adapting and trying to fit in that she becomes disoriented. Someone told her this was part of life as a player, but they also told her that to succeed she must be genuine… So then what?

Erbeste was devised between Barcelona and Gasteiz, between a performer and three directors (one Basque, one Catalan and one Italian), a singer-songwriter and a consultant; between rehearsal texts and enjoyable actions; between academic theses and job insecurity.
The dramaturgy of Erbeste is the vehicle for a study on the feeling of belonging in changing socio-cultural contexts. During the process a performer has worked separately alongside three directors with different professional backgrounds and careers to develop three perspectives on an identity; different projections of what it means to be ‘one’ as opposed to ‘the other’; three creation methods revolving around the same biographical and thematic axis. This performative material has been the basis for the final dramaturgy.


★ 18-21 Febrer 18-21 Febrero 18th - 21st February ★


DULCE DUCA


"Um belo dia"


durada / duración / running time: 60 min

Circ amb manipulació d'objectes i música en viu
Circo con manipulación de objetos y música en vivo
Circus with object manipulation and live music


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
18 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21:00
19 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21:00
20 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21:00
21 DIUMENGE / DOMINGO /SUNDAY: 20:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE










Una creació de Dulce Duca e Iris

Intèrprets: Dulce Duca / Jaime del Blanco
Acompanyament artistic: Iris Ziordia
Creació Musical: Raúl Márquez / Jaime del Blanco
Creació de Llum: Iván Tomasevic Vucasovic
Creació Gràfica: Laurent Foutaise
Fotos: Marta Xelo
Realizació Video: Julian Waisbord

DULCE DUCA sobre DULCE DUCA:
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Inesperados encuentros en momentos insertos, han llevado la lluvia por caminos desiertos… Han surgido nuevas semillas en estos campos arduos, sin que sean duros. La buena porción de locura proporciono los necesarios momentos de lucidez para escuchar lo que estaría para venir. [+]

Encontré el malabar por mera casualidad y me he quedado por amor. Autodidacta, he echo parte de la Formación Alternativa y Auto-gestionada de Circo, FAAAC. http://www.faaac.com/ (Francia). Una formación completamente auto-gestionada por sus participantes en el departamento de L’Indre (36) en Francia, donde íbamos de aldea en aldea, con camiones y caravanas a las salas comunitarias, haciendo nuestra formación.
Con este grupo, FAAAC, hemos podido realizar los proyectos mas Utópicos que alguna vez hemos podido imaginar. Como el WORK IN PROGRESS ARTS MEETING 2009.

WORK IN PROGRESS ARTS MEETING fue un proyecto experimental que tenia como objetivo saber si un grupo de artistas, de todas las áreas, podían influir y cambiar algo en la vida, día-a-día de los habitantes locales.
Os puedo decir que si. Srebna-Gora (Polonia) una región súper conservadora, donde un negro entraba y cinco blancos salían, donde la iglesia media los actos visibles de las personas y la vodka los invisibles, … hemos dejado una marca. Lo mas concreto que os puedo contar es que todavía existe una iglesia que sigue siendo un local de práctica de circo, donde dan clases regulares y siguen recibiendo artistas de todo el mundo en sus salas para construir sus espectáculos.

Os cuento esto porque fue en la FAAAC que empece a ir más fondo en mi objetivo,… que si actúo es porque tengo algo que decir y quiero que pase algo dentro de quien esta mirando. Sea reír o llorar, quedar-se atrapado a la silla o levantar-se para ir-se. Fue cuando encontré a Iris, mi maestro, un malabarista/actor impresionante de los 90’s.
Con el he recorrido hasta hoy 10 años de experiencias y exploraciones en mi manera de hacer malabares, mi manera de ver el circo, la escena y la vida.

Con el empece a construir la primera versión de UM BELO DIA 30min. (2010).
Hemos decidido que la idea era trabajar emocionalmente y ser libres para construir la historia a partir de ahí.
En un principio las emociones eran demasiado fuertes, con la alegría no había problemas, pero con la rabia o tristeza la gente no quería verlo, (actuando en la calle), algunas personas simplemente se iban… era curioso, nos pasaba en todos los países , ni en con todas las edades, pero esa es otra historia.

Así que pensé “Tengo que ser buena en esto, debo de estar haciendo un buen trabajo ” , la gente realmente siente lo que estoy transmitiendo y todo esto con los malabares.
La gente estaba sufriendo de verdad con lo que yo estaba representando, actuando. La gente me decía que se olvidaban de que estaban viendo un espectáculo. … ¿os imagináis eso ?! Es muy loco, verdad?!

Por lo tanto, después de estas experiencias, ahora la pregunta era,… cómo llevarlos por esta TwilightZone y pasar por la catarsis conmigo hasta tener un final feliz.

Y fue ahí donde empezó esta última y nueva etapa de UM BELO DIA. – 60min./sala.

UM BELO DIA es sobre dejar suelta mi imaginación, perderme en ella, no saber lo que es realidad o ficción, volver a mi y nuevamente dejar-me llevar… y así sucesivamente… Es una metaficción.
La mayoría de las veces son cosas absurdas y surrealistas en un ambiente muy metafórico y onírico.

Para mi los malabares son un medio y no un fin en lo que quiero transmitir.

Sabes cuando haces amor, … y estás ahí,… abriendo te al otro, tocando, sintiendo, conectando… y el tiempo para…y…. mismo que en algunos momentos parece que no estamos en el mismo ritmo y es extraño, … mismo así sabéis que os queréis. Eso es lo que yo siento cuando actúo con UM BELO DIA.

No se si me considero una malabarista…

Si que considero que estamos en una época de oro en relación al desarrollo de los malabares y pura manipulación de objectos. Hay una corriente de aire creativo que está inspirando a mucha gente y se están desarrollando nuevas técnicas con los más diversos objectos. Es algo fascinante y inspirador. En estos últimos 40 años se asistió a grandes cambios en el mundo del circo. Surgieron de la indignación del uso de animales y la apertura de los circenses a integrar otras dramaturgias y mezclando otras técnicas artísticas.

Creo que estamos en el camino pero creo que algo falta en relación a mostrar la persona que está en el escenario. Es algo sutil. Creo que los artistas circenses, en general, se siguen escondiendo detrás de su técnica, de tras de una historia que no la viven de verdad o que es demasiado fácil vivir-la.

O no hay la necesidad o hay demasiado miedo a la hora de subir a un escenario y mostrar-se realmente quien somo y afirmar lo que venimos decir, mejor o peor. Hablo de los actores/personas, quien somos, cuan libres somos encima del escenario ? Que haces si no tienes tu técnica? Veo que vamos incorporando técnicas de teatro- físico pero cuando llega al justo momento de coger los objectos algo cambia. Que cambia?…

Hay gente que lo hace, mis referentes… Iris, Johan Swartvagher, Anicet Leone.

Después de cada actuación estaré por el Bar del Antic Teatre. Encantada de encontraros!

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Um Belo Dia es un projecte de vida cosntruit per Dulce Duca e Iris Ziordia. Vida en forma d’espectacle. Dulce Duca incorpora el malabar, la manipulació i els equilibris de masses dins d’un llenguatje corporal unic e impactant, tansmeten emocions a una peça que integra e intriga al públic de totes les edats. Um Belo Dia es poesia surrealista viscuda per una noia als trenta anys. Ella construeix un mon des la seva visió personal, dona vida al que no la te, interactua amb la seva imaginació i ens endinsa en un mon fantàstic on tot es possible. Un Belo Dia neix de dintre seu i conecta amb l’espectador de forma primordial, pura i simple.
El que veig, el que sento, el que escolto...
...”i si un a un arc l’hi pengém una flor... transformaríem les notes musicals en pètals...”

Dulce Duca (Portugal 1984)
S’inicia al mon del malabar de manera autodidacta. Dos anys a FAAAC formació alternativa y autogestionada de les Arts del Circ. Funda , junt a quatre companys de promoció, la companyia Branle-Bas i crea el seu primer espectacle, Many. Participa i organitza el projecte Arts Meeting, una reunió de setanta artistes d’arreu del mon que es va celebrar a Srebrna Gora, Polonia. I desemvolupa OctNov 2010, una invasió artística en territori Portugues.

JAIME DEL BLANCO (Montornés del Vallés 1978)
Inicia els seus estudia musicals als cinc anys. Jaime del Blanco es un music format en tradició clàssica però fascinat per el Jazz, l’improvitsació i les musiques del mon tracta de construir ponts i trencar clichés.

IRIS ZIORDIA (Navarra 1963)
Ha desemvolupat un llenguatje escènic personal, obrint horitzons al mon dels malabars. La seva constant recerca de la relació entre el mon del cos, la ment, les emocions i els objectes mostraren al públic un veritable esser humà sobre l’escenari. L’inesperat un carisma excepcional e inolvidable.

Um Belo Dia es un proyecto de vida construido por Dulce Duca e Iris Ziordia. Vida en forma de espectáculo. Dulce Duca incorpora el malabar, la manipulación y los equilibrios de mazas en un lenguaje corporal único e impactante, transmitiendo emociones en una pieza que integra e intriga al público de todas las edades. Um Belo Dia es poesía surrealista vivida por una chica a sus treinta años. Ella construye un mundo desde su visión personal, da vida a lo que no tiene vida, interactúa con su imaginación y nos sumerge en un mundo fantástico donde todo es posible. Um Belo Dia nace de las entrañas y conecta con el espectador de manera primordial, pura y simple.
Lo que siento, lo que veo , lo que escucho...
“...Y si a un arco le colgamos una flor...transformaríamos las notas de música en pétalos"

DULCE DUCA (Portugal, 1984)
Se inicia en el mundo del malabar de forma autodidacta. Dos años en FAAAC formación Alternativa y Autogestionada de las Artes del Circo. Funda, junto a cuatro compañeros de promoción, la compañía Branle-Bas y crea su primer espectáculo, Many. Participa y organiza el proyecto Work in Progress Arts Meeting, una reunión de setenta artistas de todo el mundo que se celebró en Srebrna Gora, Polonia. Y desarrolla OctNov 2010, una invasión artística en territorio portugués.

JAIME DEL BLANCO (Montornès del Vallès 1978)
Inicia sus estudios musicales a la edad de cinco años. Jaime Del Blanco es un músico formado en la tradición clásica pero fascinado por el jazz, la improvisación y las músicas del mundo, trata de tender puentes y disolver clichés.

IRIS ZIORDIA (Pamplona, Navarra, 1963)
Ha desarrollado un lenguaje escénico personal, abriendo el horizonte del mundo de los malabares. Su búsqueda constante de la relación entre el cuerpo, la mente, las emociones y los objetos, mostraron al público un verdadero ser humano en escena. Lo inesperado. Un carisma excepcional e inolvidable.

Um Belo Dia is a life project devised by Dulce Duca and Iris Ziordia. Life as spectacle. Dulce Duca juggles, manipulates and balances clubs using unique and appealing body language, transmitting emotions in a piece that attracts and intrigues audiences of all ages. Um Belo Dia is surreal poetry lived by a girl in her thirtieth year. She creates a world from her personal viewpoint, gives life to what has none, interacts with her imagination and immerses us in a world of fantasy where anything is possible. Um Belo Dia emerges from the gut and connects with the spectator in a primeval fashion, pure and simple.
What I feel, what I see, what I hear…
“…What if we hung a flower from a bow?
…we’d turn musical notes into petals”.

Dulce Duca taught herself to juggle, then spent two years training at the FAAAC (Alternative and self-managed training in circus skills). Together with four course companions she founded the Branle-Bas company and created her first piece, Many. She took part in and helped organise the Work in Progress Arts Meeting, a gathering of seventy artists from around the world that took place in Srebrna Gora, Poland. And she developed OctNov 2010, an artistic invasion of Portugal.

Jaime del Blanco (Montornès del Vallès, 1978)
Began studying music aged five. Although classically trained, he has always been fascinated by jazz, improvisation and world musics, and aims to build bridges and do away with clichés.

Iris Ziordia (Pamplona, Navarre, 1963)
has developed her own personal performance language, reaching new horizons in juggling. Her constant search for the connections between body, mind, feelings and objects show the audience a true human being on stage; the unexpected. Exceptionally and unforgettably charismatic.


★ 22 Febrer  22 Febrero 22 February ★


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion



HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 24 Febrer 24 Febrero 24th February ★


EDUARDO GIÓN /
ANTIC TEATRE



"El desplume"

durada / duración / duration: 90 min

Cabaret


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
24 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros










Mestro de ceremònies: Victor Guerrero
Mite: Gilda Love

Artistes per confirmar

Organitza: Eduardo Gión

hmarionanaudin.blogspot.com.es

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Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del Desplume, serà un retorn al cabaret mes íntim, més a prop teu.
Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cinema underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment la seva nova web “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume se convertira en un cabaret más intimo más cerca de ti. Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macías y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.
Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking.
In this new phase, El Desplume will become more up-close and personal; Antic Teatre Cabaret will be a meeting point for all lovers of this genre and will show those who have never experienced it what a real cabaret night is all about.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries. He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films. Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.
He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.


★ 25-28 Febrer 25-28 Febrero 25th - 28th February ★


ANGELA & KOLDO


"Un cuerpo sinvergüenza"


ESTRENA

durada / duración / running time: 50 min

Nous llenguatges del cos
Nuevos lenguajes del cuerpo
New body languages


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
25 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
26 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
27 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
28 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Creació i interpretació: Angela Peris Alcantud y Koldo Arostegui
Assesorament técnic: Andrés Santos Rivas

Amb el support de:
AZALA Espacio de creación, ANTIC TEATRE/ Adriantic, La Piconera de Sol Picó

uncuerposinverguenza.weebly.com

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Arribem a la adolescència com un robot de llauna preparat per qualsevol cosa menys per estar tranquil·lament descansats en els nostres cossos. A partir dels 11 anys unes hormones descarades segresten el nostre temperament i provoquen canvis inesperats en el nostre cos.Com en una pel.licula de ciència ficció patim mutacions, canviem de forma.La adolescència es una etapa de canvi però també de recerca de la identitat. Angela i Koldo tenen un desitj.Tornar a aquesta etapa i utilitzar la pell com a punt de partida. Construir des la pell casa teva, plena de sensacions on descobrirse i retrovarse a cada racó. Un lloc segur i fèrtil on creixen i floreixen els desitjos de l’imaginació , fent.nos capaços de fer qualsevol aventura i capaços d’assolir l’imposible.

Angela Peris Alcantud (Castelló 1983)
Es va formàr com a ballarina i coreògrafa al Dance Space Center & Movement Research a Nova York. SNDO a Holanda i L’institut del Teatre a Barcelona. Está llicenciada en Comunicacció Audiovisual i treballa a la Fundació Yehudi Menuhin com a professora de dança a centres de primaria i secundaria. Al 2012 va presentar ALLE, la seva primera peça al públic infantil, en col.laboració amb la coreògrafa Alma Söderberg. Al 2014 va estrenar SONIDEANDO UN ESPACIO, un treball de sol sobre la veu i el moviment (LCE Aritstas en Residencia). Koldo Arostegui (Bilbao 1983)
Estudio en el Place, Londres i en SNDO, Amsterdam. Ha treballat amb la companyia Mudances-Angels Margarit, amb el coreògraf Rodrigo Sobarzo, amb la Dansgroep Amsterdam-Krisztina de Chattel, amb Nux Company i amb Jesús Gamo. Ha format part del repart de “The Show Must go on” de Jerome Bel, Barcelona 2015.

Llegamos a la adolescencia como un robot de hojalata preparado para cualquier cosa menos para estar tranquilamente descansados en nuestros cuerpos. A partir de los 11 años, unas hormonas descaradas se adueñan de nuestro temperamento y provocan inesperados cambios en nuestro cuerpo. Como en una película de ciencia ficción mutamos, cambiamos de forma. La adolescencia es una etapa de cambio pero también de búsqueda de identidad. Angela y Koldo tienen un deseo. Volver a esa etapa y utilizar la piel como punto de partida. Construir desde la piel un hogar lleno de sensaciones donde descubrirse y reencontrarse en cada hueco Un lugar seguro y fértil donde broten los deseos de la imaginación, volviéndonos capaces de cualquier hazaña, capaces de lo imposible.

Angela Peris Alcantud (Castellón 1983)
Se ha formado como bailarina y coreógrafa en Dance Space Center y Movement Research en Nueva York, SNDO en Holanda y l’Institut del Teatre de Barcelona. Es licenciada en Comunicación Audiovisual y trabaja en la Fundación Yehudi Menuhin como profesora de danza en centros de primaria y secundaria. En 2012 presentó ALLES, su primera pieza para público infantil, en colaboración con la coreógrafa Alma Söderberg. En 2014 estrena SONIDEANDO UN ESPACIO, un trabajo de solo sobre la voz y el movimiento (LCE Artistas en Residencia).

Koldo Arostegui (Bilbao, 1983)
Estudió en The Place, Londres y en SNDO, Amsterdam. Ha trabajado con la Compañía Mudances-Angels Margarit, con el coreógrafo Rodrigo Sobarzo, con Dansgroep Amsterdam-Krisztina de Chattel, con Nux Company y con Jesús Rubio Gamo. Ha formado parte del elenco de “The Show Must go on” de Jerome Bel, Barcelona 2015.

We reach adolescence like tin robots, ready for anything except feeling relaxed in our own bodies. From the age of 11 onwards, hormones brazenly take possession of our temperaments and provoke unexpected changes in our bodies. As though in a Science Fiction film we mutate, we change shape. Adolescence is a period of change but also a search for identity. Angela and Koldo have a wish: to return to that period and use their skin as the starting point. From the skin outwards, they want to build a home full of sensations, so as to discover and rediscover themselves in every nook and cranny. A safe and fertile place in which the desires of imagination can flourish, making them capable of any feat, capable of achieving the impossible.

Angela Peris Alcantud (Castellón, 1983)
Trained as a dancer and choreographer at the Dance Space Center and Movement Research in New York, SNDO in the Netherlands and the Institut del Teatre of Barcelona. She has a degree in Audiovisual Communications and works for the Yehudi Menuhin Foundation as a dance teacher in primary and secondary schools. In 2012 she presented Alles, her first piece for children, in collaboration with choreographer Alma Söderberg. In 2014 she premiered Sonideando un espacio, a solo piece using voice and movement. (LCE Artists in Residence).

Koldo Arostegui (Bilbao, 1983)
Studied at The Place in London and SNDO in Amsterdam. He has worked with Mudances-Angels Margarit company, choreographer Rodrigo Sobarzo, Dansgroep Amsterdam, Krisztina de Chattel, Nux Company and Jesús Rubio Gamo. He was part of the cast for Jerome Bel’s The Show Must Go On in Barcelona in 2015.


PROGRAMA MARÇ /// MARZO /// MARCH →

★ DIMARTS 9, 16, 23 Febrer i 1 Març ★
★ MARTES 9, 16, 23 Febrero y 1 Marzo ★
★ TUESDAYS 9th, 16th, 23rd February & 1st March ★


ERRATEKE
& PLATAFORMA L'ESPECÍFICA



"Erbeste (boja per complaure)"


Estrena a Catalunya

durada / duración / running time:
70’ + sobremesa con público / discussion with audience

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New Drama


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
DIMARTS / MARTES / TUESDAYS
9, 16, 23 & 1 Març / Marzo / March: 21'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Idea original, textes i dramaturgia: Rakel Ezpeleta
Creat amb la col.laboració de les directores: Simona Quartucci, Iñaki Rikarte i Neus Suñé
Ajudant de dramatugia i direcció: Esther Belvis
Erbeste: Rakel Ezpeleta
Bestea: Hèctor Boada
Composició musical original: Daniel Higiénico i Rakel Ezpeleta
(Altres fragments musicals de: SuTaGar, Mocedades, Telekantak…)
Coreografía L’espera: Elisenda Moya
Coach d’actors: Blanca Martínez
Disseny d’il.luminació: Hèctor Boada
Atrezzo: Teresa del Junco
Disseny gràfic: Marta Extramiana
Fotografías: Sandra Soussa, Beatriz Marahver, Carlos Torrico i Josep Tobella
Videos: Vero Díaz, Nacho Neil i Platanobolígrafo

Mùsics col.laboradors amb enregistraments:
Daniel Higiénico (guitarra, orquestació digital, veu i mescles), David Sam (piano), Manel Romero (batería, arranjaments i mescles), Alex Blanco (baix i arranjaments), Sergio Carmona (guitarres elèctriques i arranjaments), Rakel Ezpeleta (veus)

Correcció i/o adaptació lingüistica: Imanol García (euskera), Haizea Urrutia (euskera), Mikel García (Euskera), Colin Morgan (anglès), Nuria Casas (català), Jaume Rigol (català), Anne Laure Feuillastre (francès)

Coordinació de producció: Rakel Ezpeleta
Co-producció: Cía Errateke – Plataforma l’Específica – BAD
Amb la col.laboració de: Laboratori Tisner i Sala Baratza

www.facebook.com/errateke

ESTHER BELVIS PONS sobre ERBESTE de Rakel Espeleta:
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Para Rakel.

– ¿Cómo te va?
– Bien―respondo.

Entonces empiezo a pensar en cosas pequeñas como el hueco que queda libre al fondo del armario, el retazo de vida que hay detrás de la mirilla de la puerta o las figuras que se forman con el vaho de la ducha. Pienso en esas cosas pequeñas a las que no prestamos atención, esas cosas que solamente se hacen evidentes si uno se para a mirar todo aquello que no tiene aparente interés. Y concentrándome en lo pequeño puedo evitar, al responder “bien”, que mi mirada se pose en lo grande. [+]

Rakel Ezpeleta ha creado esta pieza mostrando sus cosas pequeñas para hablarnos de las grandes. Y lo hace desde esa mirada suya que lo sostiene todo. Porque esta pieza nos enseña a sostener el cuerpo cuando ya parece que hemos perdido todo control sobre el mismo. Un cuerpo descontrolado que a través de sus aspavientos intenta complacer al otro. Un cuerpo dispuesto que se atreve a todo. Un cuerpo que tropieza con el mundo y decide dedicarle una última canción, un último baile, una última cena. Así, un poco entre el amor y el despecho que siente el que irremediablemente se abandona en los brazos de la vida, esperando que el día de mañana sea mejor que el anterior.

Esta pieza hecha de retazos de vida planea sobre todos nosotros; incluso diría que está cocinada con nuestros propios recuerdos. Todos somos un poco Erbeste, este personaje que se apasiona y se pelea tanto con el presente para no hacer balance, para no contarse a sí misma lo que ya no fue, lo que ya seguramente no será. Este personaje que no pertenece a ningún lugar, pero que se cuela en la casa que son nuestros cuerpos; allí donde guardamos las historias, los secretos, las voces. Se cuela para recordarnos, con una sonrisa, que en las casas de todos pasan cosan extrañas. Para decirnos: – Sí, yo también tengo un mundo de cosas pequeñas, que me salva de esa precariedad que me hace sentir todo lo grande.

Porque en un mundo en la que la mayoría respiramos con los pulmones corrompidos, Rakel nos propone esta pieza llena de oxígeno para seguir intentándolo mañana, sea lo que sea lo que cada uno tiene que intentar.

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Docu-ficció satírica en forma de monòleg...sol...recital...una mena de cabaret solitari en el una intèrpret transita ocupacions, ubicacions, idiomes, registres i textures en el seu empeny de trobar un lloc propi. Erbeste mostra la realitat d’una dona migrant que es sent sempre fora de lloc; la rel.lació d’un mateix amb la seva memòria, amb les expectatives alienes i el desitg de pertinença. Erbeste vol arribar a mostrarse com els demes poden demanar que sigui.Tan acostumada es a adaptarse i intentar encaixar ...que per el nord. Algú li va dir que això era part de la vida de comediant, però també li va dir que per triomfar cal ser genuí...¿ A les hores...?

Erbeste es crea a Barcelona i Gasteiz; de la má d’una intèrpret i tres directores (una basc, una catalana i una italiana), un cantautor i una assesora d’asaig i accions per gaudir; en mig de téssis acadèmiques i precarietat laboral.
La dramatúrgia de Erbeste vehicula un treball d’investigació sobre el sentit de pertinença en contextes socioculturals canviants. Durant el procés una intèrpret ha treballat per separat amb tres directores de diferents trajectòries i procedències per desplegar tres mirades al respecte d’una identitat, diferents projeccions del que un mateix es davant de l’altre, tres mètodes de creació al voltant d’un mateix eix temàtic i biogràfic. A sobre d’aquest material escènic s’hi ha compossat la dramatúrgia final.

Docu-ficción satírica en forma de monólogo… solo… recital… una suerte de cabaret solitario en el que una intérprete transita ocupaciones, ubicaciones, idiomas, registros y texturas en su afán por encontrar un lugar propio. Erbeste muestra la realidad de una mujer migrante que se siente desubicada; la relación de uno con su propia memoria, con las expectativas ajenas y con el deseo de pertenencia.
Erbeste quiere llegar a mostrarse como los demás puedan pedirle que sea. Tan acostumbrada está a adaptarse e intentar encajar que se desorienta. Alguien le dijo que esto formaba parte de la vida de comediante, pero también le dijo que para triunfar hay que ser genuino… ¿Entonces…?

Erbeste se crea entre Barcelona y Gasteiz; entre una intérprete y tres directoras (un vasco, una catalana y una italiana), un cantautor y una asesora; entre textos de ensayo y acciones para disfrutar; entre tesis académicas y precariedad laboral.
La dramaturgia de Erbeste vehicula un trabajo de investigación sobre el sentido de pertenencia en contextos socioculturales cambiantes. En el proceso una intérprete ha trabajado separadamente con tres directoras de distintas trayectorias y procedencias para desplegar tres miradas sobre una identidad, distintas proyecciones de lo que es “uno” ante “el otro”, tres métodos de creación en torno a un mismo eje temático y biográfico. Sobre ese material escénico se ha compuesto la dramaturgia final.

Satirical docufiction presented as a monologue… solo... recital…. a kind of solitary cabaret in which a performer goes through occupations, locations, languages, registers and textures in her eagerness to find a place of her own. Erbeste shows the reality of a migrant woman who feels out of place; the relationship we have to our own memories, to other people’s expectations and to the desire to belong. Erbeste wants to show herself as others may want her to appear. She is so used to adapting and trying to fit in that she becomes disoriented. Someone told her this was part of life as a player, but they also told her that to succeed she must be genuine… So then what?

Erbeste was devised between Barcelona and Gasteiz, between a performer and three directors (one Basque, one Catalan and one Italian), a singer-songwriter and a consultant; between rehearsal texts and enjoyable actions; between academic theses and job insecurity.
The dramaturgy of Erbeste is the vehicle for a study on the feeling of belonging in changing socio-cultural contexts. During the process a performer has worked separately alongside three directors with different professional backgrounds and careers to develop three perspectives on an identity; different projections of what it means to be ‘one’ as opposed to ‘the other’; three creation methods revolving around the same biographical and thematic axis. This performative material has been the basis for the final dramaturgy.


★ 3-6 Març 3-6 Marzo 3rd - 6th March ★


ABAST ELÀSTIC


"A.U.R.A"


durada / duración / running time: 45 min

nous llenguatges del cos
nuevos lenguajes del cuerpo
new body languages

HORARIS HORARIOS SCHEDULES
3 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
4 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
5 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
6 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE










Creació: Carles Casallachs i Marina Colomina
Intèrprets: Carles Casallachs i Marina Colomina
Dramatúrgia: Lidia González Zoilo
Espai i vestuari: Abast Elàstic
Disseny video: Carme Gomila, Abast Elàstic
Disseny so: Carles Tardio, Abast Elàstic
Producció: Mònica Pérez (Antic Teatre)

Laboratori de Creació 2015 de Fira Tàrrega

Una producció d'Antic Teatre i Fira Tàrrega

Amb el suport de la Generalitat de Catalunya


carlescasallachs.wordpress.com

marinacolomina.wordpress.com

www.anticteatre.com/ontour

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A.U.R.A és un esdeveniment coreogràfic que necessita del públic per existir. Amb el pretext de llegir l’aura i d’oferir una sessió pseudoterapèutica, els mestres de cerimònia situen els espectadors sota el focus d'atenció. Un espectacle de teatre-dansa, que presenta una instal·lació basada en la interacció, tant dels diferents mitjans que entren a escena (dansa, text, visuals i música) com la del públic, que serà l'eix vertebrador de les escenes. Un ritual lúdic, divertit i participatiu que transita des de la creença cap a la crítica, des del cinisme adult cap a la fascinació més infantil.

Carles Cassallachs i Marina Colomina, ambdós coreògrafs i artistes visuals, després de graduar-se junts al SNDO a Amsterdam, i presentar el seu treball coreogràfic a teatres, festivals i galeries a Holanda, Bèlgica, Alemanya, EUA, Portugal, Polònia, Eslovènia, Itàlia, Dinamarca, UK, Escòcia i Catalunya, decideixen encetar Abast Elàstic.

Abast Elàstic sorgeix de la necessitat compartida d'expansió comunicativa, d'apropar mecanismes sensibles d'articulació a un espectre més ampli d'espectadors, sense comprometre’n per això la nostra passió per la complexitat i l'experimentació.

A.U.R.A es un acontecimiento coreográfico que necesita del público para existir. Bajo el pretexto de leer el aura y de ofrecer una sesión pseudo-terapéutica, los maestros de ceremonia sitúan a los espectadores bajo el foco de atención. Un espectáculo de teatro-danza, que presenta una instalación basada en la interacción, tanto de los diferentes medios que entran en escena (danza, texto, visuales y música) como la del público, que será el eje vertebrador de las escenas. Un ritual lúdico, divertido y participativo que transita desde la creencia hacia la crítica, desde el cinismo adulto hacia la fascinación más infantil.

Carles Cassallachs y Marina Colomina, ambos coreógrafos y artistas visuales, tras graduarse juntos en la escuela SNDO en Amsterdam, y presentar su trabajo coreográfico en teatros, festivales y galerías en Holanda, Bélgica, Alemania, EEUU, Portugal, Polonia, Eslovenia, Italia, Dinamarca, UK, Escocia y Cataluña, deciden crear Abast Elàstic.

Abast Elàstic surge de la necesidad compartida de expansión comunicativa, de acercar mecanismos sensibles de articulación a un espectro más amplio de espectadores, sin comprometer por ello nuestra pasión por la complejidad y la experimentación.

A.U.R.A is a choreographic event that needs the audience to exist. Under the pretext of reading the aura and offering a pseudo-therapeutic session, the masters of ceremony put the audience under their attention. A theatre-dance show, an installation based on interaction, among the different languages used at the scene (dance, text, visuals and music) and with the public, that will be the focus of the performance. A playful, fun and participatory ritual that moves from belief to criticism, from adult cynicism to the most childish fascination.

Carles Marina and Cassallachs Colomina, both choreographers and visual artists, after graduating together at SNDO in Amsterdam, and have presented their works in theaters, festivals and galleries in Holland, Belgium, Germany, USA, Portugal, Poland, Slovenia, Italy, Denmark, UK, Scotland and Catalonia, decide to start Abast Elàstic.

Abast Elàstic arises from the shared need to increase communication,to reach sensitive mechanisms for approaching a higger spectrum of viewers, without compromising our passion for the complexity and experimentation.


★ 7 Març  7 de Marzo 7th March ★


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion



HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 9 Març 9 Marzo 9th March ★


EDUARDO GIÓN /
ANTIC TEATRE



"El desplume"

durada / duración / duration: 90 min

Cabaret


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
9 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros










Mestro de ceremònies: Victor Guerrero
Mite: Gilda Love

Artistes per confirmar

Organitza: Eduardo Gión

hmarionanaudin.blogspot.com.es

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Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del Desplume, serà un retorn al cabaret mes íntim, més a prop teu.
Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cinema underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment la seva nova web “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume se convertira en un cabaret más intimo más cerca de ti. Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macías y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.
Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking.
In this new phase, El Desplume will become more up-close and personal; Antic Teatre Cabaret will be a meeting point for all lovers of this genre and will show those who have never experienced it what a real cabaret night is all about.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries. He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films. Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.
He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.


★ 10-13 Març 10-13 Marzo 10th - 13th March ★


PAU DE NUT


"Lo Indestructible"

durada / duración / duration: 70 min

Noves dramatúrgies – Concert
Nuevas dramaturgias – Concierto
New drama - Concert

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
10 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
11 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
12 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
13 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
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10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Idea y direcció: Pau de Nut
Texts: Ángela Figuera, Angélica Liddell, Pascal Quignard i Pau de Nut
Cançons de John Dowland, Jacques Brel, Ana D, Micah P. Hinson, Joy Division, Antonio Vega, Lou Reed, Tim Buckley, Friedrich Hollander, Elvis Presley
Producció: Pau de Nut

Amb el suport de TeatrodeCERCA

Gràcies a:
Pedro Lozano, Diego Sánchez, Espacio Inestable, Sergio López, Nuria Ruiz de Viñaspre

www.paudenut.blogspot.pt

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Quan Pascal Quignard es pregunta per què la música es capàç d’anar al fons del dolor, troba una raó esfereïdora: “Perquè és allà on hi habita”.
La supervivència passa per la música. És la música qui ens permet descendir i sortir amb vida d’aquest descens. Després ja mai no tornarem a ser els mateixos que vàrem ser.
Però alguna vegada hem arribat a ser aquells que érem?

«Si no em dediqués a la música, probablement ja seria mort.»
Pau de Nut

Pau de Nut és músic, cantant, compositor, actor i titellaire.
Ha dirigit Mi relación con la comida d’Angèlica Liddell, amb qui ha treballat en dues produccions: Anfaegtelse i La casa de la fuerza. Porta més de deu anys recorrent el món amb el seu espectacle Conciertoencanto i darrerament ha escrit i dirigit Se t'annodi, se ti snodi: la Libertad i Lo Indestructible.

Cuando Pascal Quignard se pregunta por qué la música es capaz de ir al fondo del dolor, encuentra una razón espeluznante: "porque es allí donde ella mora".
La supervivencia pasa por la música. Es la música la que nos permite descender y salir con vida de ese descenso. Después ya nunca volveremos a ser los mismos que fuimos.
¿Pero alguna vez hemos llegado a ser los qué éramos?

«Si no me dedicara a la música, probablemente ya estaría muerto.»
Pau de Nut

Pau de Nut es músico, cantante, compositor, actor y titiritero. Ha dirigido Mi relación con la comida de Angèlica Liddell, con quien ha trabajado en dos producciones: Anfaegtelse y La casa de la fuerza. Lleva más de diez años recorriendo el mundo con su espectáculo Conciertoencanto y últimamente ha escrito y dirigido Se t'annodi, se ti snodi: la Libertad y Lo Indestructible.

When Pascal Quignard asks himself why music is capable of going to the very root of pain, he finds a hair-raising answer: “because that’s where music lives”.
Survival goes through music. It is music that allows us to descend and return from that descent alive. Afterwards we will never be who we once were. But have we ever been who we were?

“If I wasn’t a musician, I’d probably already be dead”
Pau de Nut

Pau de Nut is a musician, singer, composer, actor and puppeteer. He has directed Mi relación con la comida by Angèlica Liddell, with whom he has worked on two other productions: Angaegtelse and La casa de la fuerza. He has spent more tan ten years touring the world with his show Conciertoencanto and lately he has written and directed Se t’annodi, se ti snodi: la Libertad y lo Indestructible.


★ 14-17 Març 14-17 Marzo 14th - 17th March ★


ENMEDIO


Bellas Vallas (o cómo subvertir con nuestros cuerpos el diseño urbano de las ciudades marca)


Presentació + Taller
Presentación + Taller
Presentation + Workshop

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
14 DILLUNS / LUNES / MONDAY
15 DIMARTS / MARTES / THUESDAY
16 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY
17 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY







www.enmedio.info

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La mobilitat a l’espai de la ciutat mai ha estat donat amb llibertat; l’arquitectura i el diseny urbanistic la han dirigit sempre. Peró, a diferencia de les tanques, les reixes i els murs que en el pasat limitaven i definien la mobilitat de les persones, el mobiliari urbá contemporani ho fa sense que ni tan sols es noti. Abans, regular els comportaments dels cossos a l’espai, indicar el que debien fer i com debien fer.ho, necesitave elements molt visibles. Avui sense que tot aquest adoctrinament es tracta de tot el contrari: que no es vegi, que sense destacar el mes minim, sense ni tan sols aterar el paisatge compleixi el seu proposit represiu. O inclòs el millora. En aquest taller estudiarem com funcionen alguns dels elements de diseny urbá i junts realitzarem una intervenció performantica capaç de desviar.ne la utilització represiva en vers la recuperació del carrer i l’organització de la nostra vida en comú. Perque aixó i no una altre cosa es una ciutat: l’organització de les nostres vidas en comú.

Som un grup de profesionals de l’imatge (disenaydors,fotagrafes,cineastes,aritstes) que, insatisfets per la mancança de conexions entre l’acció politica i l’art, hem decidit abandonar el nostre terreny habitual de treball, per situarnos al centre , a cap lloc determinat i atots a la vegada. Des aquest lloc explorem la potencia transformadora de les imatges i els reltas. Ho fem mitjançant espectaculars intervencions, utilitzant tot alló que tenim a la nostra disposició: fotografia, mitjans de comunicació, diseny, teatre…aixi es com creeem interferencies en el relat dominant: interrupcions a l’explicació oficial del mon.

La movilidad en el espacio de una ciudad nunca se ha dado con libertad; la arquitectura y el diseño urbanístico la han dirigido siempre. Pero, a diferencia de las vallas, las rejas y los muros que en el pasado acotaban y definían la movilidad de las personas, el mobiliario urbano contemporáneo lo hace sin que apenas se note. Antes, regular los comportamientos de los cuerpos en el espacio, indicarles qué debían hacer y cómo debían hacerlo, requería de elementos muy visibles. Hoy, sin embargo, parece que ese adoctrinamiento requiere de todo lo contrario: que no se vea, que sin destacar lo más mínimo, sin apenas alterar el paisaje cumpla su propósito represivo. O incluso lo mejore. En este taller estudiaremos cómo funcionan algunos de estos nuevos elementos de diseño urbano y juntos realizaremos una intervención performática capaz de desviar sus usos represivos hacia la recuperación de la calle y la organización de nuestra vida en común. Porque eso y no otra cosa es una ciudad: la organización de nuestra vida en común.

Somos un grupo de profesionales de la imagen (diseñadores, fotógrafas, cineastas, artistas) que, insatisfechos por la falta de conexiones entre el arte y la acción política, hemos decidido abandonar nuestro terreno habitual de trabajo y situarnos en medio; en ningún lugar determinado y en todos a la vez. Desde aquí exploramos la potencia transformadora de las imágenes y los relatos. Lo hacemos mediante espectaculares intervenciones, usando todo aquello que tenemos a nuestra disposición: fotografía, medios de comunicación, diseño, teatro…, así es como creamos interferencias en el relato dominante; interrupciones en la explicación oficial del mundo.

Mobility within the confines of a city has never been totally free; it has always been conditioned by architecture and urban design. However, unlike the fences, gates and walls that in the past defined and restricted people’s mobility, the contents of today’s cities do so practically unnoticeably. In the past, regulating the way people moved within a space, showing them what to do and how to do it required very obvious elements. But nowadays it appears that this type of indoctrination needs the exact opposite: not to be seen, to perform its task of repression without calling any attention to itself or altering the landscape. Or conversely, improving it. In this workshop we will look at how some of these new components of urban design work, and together we will make a performance action that can deflect their repressive function in favour of reclaiming the streets and reorganising our common existence. Because that’s exactly what a city is, and nothing else: the organisation of our common existence.

We’re a group of professionals in the field of graphics (designers, photographers, film makers, artists) who, dissatisfied by the lack of connections between art and political action, have decided to abandon our usual work environments and place ourselves in the middle; nowhere in particular and everywhere at once. From here we explore the transforming potential of images and narrataives. We do this by means of spectacular interventions, using everything we have at our disposal: photography, media, design, theatre… in this way we create interference in the dominant discourse and interruptions to the official view of the world.


★ 18-20 Març 18-20 Marzo 18th - 20th March ★


ANNE LISE LE GAC
& ÉLIE ORTIS



GRAND MAL
[Programat per NyamNyam
– projecte Vaga de fam]


durada / duración / duration: 45 min

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New drama

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
18 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
19 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
20 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
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10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Concepte: Anne Lise Le Gac i Élie Ortis
Intèrprets: Anne Lise Le Gac i Élie Ortis
Música: Gigi D’Agostino

Amb el suport de: Chalet Society, Centre National de la Danse (Pantin/Francia), FAR° Festival (Nyon/Suïssa), LIFE LONG BURNING Company Ultima Vez Wim Vandekeybus (Brussels/Bélgica), Company LA ZOUZE Christophe Haleb (Marseille/França), Volmir Cordeiro & La Ménagerie de Verre (Paris/França)

El projecte Vaga de fam és una iniciativa de l’Asociació Cultural nyamnyam Més información sobre el projecte: www.nyamnyam.net →

www.al-lg.com

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Anne Lise Le Gac viu a Marsella i Élie Ortis a Paris, i de vegades coincidim. WEB es el nostre espai de trobada cotidiá, sembla un “muro” i es aquí on conversem. A aquesta conversa la anomeném Grand Mal. Grand mal es un pou sense fon son acumulumen materials sense prejudicis. Col.leccionem videos de gent ballan espontáneament, receptes de barretes energétiques, frases finals de rapers(per exemple). Grand Mal es reconfortant, com una Caixa d’eines(ón també hem de crear eines desconegudes). Fa uns messos, observo aquesta conversa com si parlés de la soletat i la seva fiscalitat. La nostra col.lecció Grand Mal manté viu el diàleg, aquesta es la nostra droga:l’idea de compartir els efectes amb vosaltres.

Anne Lise Le Gac: Fa dos anys em vaig mudar a Marsella. Al 2015, junt amb l’artista Elise Carron, vam activar Okay Confiance, un festival de performance. Al 2014, la coreógrafa Claudia Triozzi em va convidar a participar a la seva peça “Boomerang”,le retour à sol i vaig dir que si. La recerca i la performance han continuat amb “solos” i converses amb performer/beatboxer i Aymeric Hainaux, també amb Pauline Le Boulba, estudiant de doctorat a la Universitat, departamento de Dança.
Durant el decurs del 2011 i el 2013 em vaig inscriure al programa de master ESSAIS al centreCoreográfic d’Angers (CNDC) dirigit per Emanuelle Huynh. Las mevas investigacions van questionar l’hipotesis de la “performance del lloc”.
Del 2003 al 2008 vaig estudiar arts esceniques a l’escola de Belles Arts a Estrasbourg.

Ellie Ortis: Des l’any 2000 soc artesana i diseñadora de moda. Alimento la meva WEB nomenada m-o-v-e-y-o-u-r-a-s-s.tumbir.com i col.lecciono peces de cerámica Fat Lava.

El projete (vaga de fam) es una iniciativa de nyamnyam on manca el menjar. Es tracta de programar, organitzar i facilitar quines propostes de fora del contexte local poden arribar a la nostra ciutat. Per poder portar a terme contem amb la col.laboració d’ altres espais i/o plataformes, com es el cas de l’Antic Teatre.
Perque tenim fam de fora, fam del nou, fam de vaga.

Anne Lise Le Gac vive en Marsella y Élie Ortis en Paris, y a veces coincidimos. WEB es nuestro espacio de encuentro cotidiano, parece un ‘muro’ y es aquí donde conversamos. A esta conversación la llamamos Grand Mal. Grand Mal es un pozo sin fondo donde acumulamos materiales sin tapujos. Coleccionamos videos de gente bailando espontáneamente, recetas de barritas enérgicas, frases finales de raperos (por ejemplo). Grand Mal es reconfortador, como una caja de herramientas (donde también hemos de crear herramientas desconocidas). Y desde hace unos meses, observo esta conversación como si hablara sobre la soledad y su fisicalidad. Nuestra colección Grand Mal mantiene vivo el dialogo, esta es nuestra droga: la idea es compartir los efectos con vosotros.

Anne Lise Le Gac: Hace dos años me mudé a Marsella. En el 2015, junto con la artista Elise Carron, activamos Okay Confiance, un festival de performance. En el 2014, la coreógrafa Claudia Triozzi me invitó a participar en su pieza “Boomerang, le retour à sol” y le dije que si. La investigación y la performance han continuado con solos y conversaciones con performer/beatboxer Aymeric Hainaux, y también con Pauline Le Boulba, estudiante de doctorado en la Universidad, departamento de danza.
Entre 2011 y 2013 me inscribí al programa de Master ESSAIS en el Centro Coreográfico de Angers (CNDC) dirigido por Emmanuelle Huynh. Mis investigaciones cuestionaron la hipótesis de la “performance del lugar”. Entre 2003 y 2008 estudié artes escénicas en la escuela de Bellas Artes de Strasbourg.

Élie Ortis: Desde el 2000 soy artesana y diseñadora de moda. Mantengo alimentada mi web, llamada m-o-v-e-y-o-u-r-a-s-s.tumblr.com y colecciono piezas de cerámica Fat Lava.

El proyecto (Huelga de hambre) es una iniciativa de nyamnyam dónde la comida falta. Se trata de programar, organizar y facilitar que propuestas de fuera del contexto local puedan llegar a nuestra ciudad. Para llevarlo a cabo contamos con la colaboración de otros espacios y/o plataformas, como en este caso Antic Teatre. Porque tenemos hambre de fuera, hambre de nuevo, hambre de huelga.

Anne Lise Le Gac lives in Marseille and Élie Ortis lives in Paris and sometimes we meet. WEB is our space for daily sharing; it looks like a “wall”, and this is where our conversation takes place. We cal this conversation Grand Mal. Grand Mal is a bottomless pit where we accumulate materials without inhibition. We collect videos of people dancing spontaneously, recipes of energy bars, rappers’ punchlines (for example). Grand Mal is comforting like a toolbox (where we also have to create the tools to use). And for a few months now, I see this conversation as being about loneliness and its physicality. Our Grand Mal collection keeps the dialogue alive, this is our dope: the idea is to share the effects with you.

Anne Lise Le Gac: Two years ago I moved to Marseille.
In 2015, in Marseille, together with artist Elise Carron, we activated Okay Confiance, a performance festival. In 2014, choreographer Claudia Triozzi asked me to perform in her piece “Boomerang, le retour à soi”, and I said yes.
Researches and performances continued through solos and conversations with performer/ beatboxer Aymeric Hainaux and also Pauline Le Boulba, PhD student in Paris at University-Dance department.
From 2011 to 2013, I joined the Master’s programme ESSAIS at the Choreographic Center in Angers (CNDC), directed by Emmanuelle Huynh. My research questioned the hypothesis of a “vernacular performance”. Between 2003 and 2008, I studied at the school of fine arts in Strasbourg focusing on performance art.

Élie Ortis: I am a fashion craftsman and designer since 2000. Regularly I feed my website called m-o-v-e-y-o-u-r-a-s-s.tumblr.com and collect Fat Lava ceramics.

The project (Hunger strike)is a nyamnyam initiative about lack of sustenance. The idea is to programme, organise and facilitate projects from outside reaching our city. In order to realise this project we are counting on the support of other spaces and /or platforms, in this case Antic Teatre. Because we are hungry for the outside, hungry for the new, hungry for striking.


★ 21 Març  21 de Marzo 21st March ★


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion



HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 31 Març-3 Abril i 6-10 Abril 31 Marzo-3 de Abril y 6-10 Abril 31st March-3rd April & 6-10 April ★


REDONDO/ ALBUERNE


"Ye orbayu"

durada / duración / duration: 50 min

Teatre d'humor - Noves dramatúrgies
Teatro de humor - Nuevas dramaturgias
Comedy theatre – New dramaturgies

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
31 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
1 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
2 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
3 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00

* 6 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21'00
7 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
8 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
9 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
10 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


* dia de l'espectador // día del espectador // spectator day - 5€ //


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
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10 euros






Idea, creació i interpretació: José Luís Redondo y Jorge Albuerne Escenografía: Redondo/Albuerne
Il·luminació: Redondo/Albuerne
Espai Sonor: Redondo Albuerne
Direcció: No la tenim, anem a la deriva...

Agraïments a l’Antic Teatre, Tub d’Assaig, Fira de Circ de La Bisbal, a molta bona gent que ens dóna suport, que ho sap i que no necessita aparèixer als programes dels teatres i a la nostra "tierrina": Astúries.

jorgealbuerne.wordpress.com/colaboraciones

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YE: En llengua asturiana, tercera persona singular del present de l’indicatiu del verb “ser” (cat.:és)

ORBAYU: Així es com es diu en territori asturià a aquella pluja lleugera, gairebé imperceptible, però que cala... També en tenim d'altres tipus, per pluja no serà, però aquesta és, sens dubte, la que millor ens defineix. (cat .: xim-xim/plovisqueig).

Creació escènica humorística a partir d’alguns dels millors moments que han anat sorgint a les trajectòries artístiques de Redondo i Albuerne en la recerca del riure (propi i aliè). Utilitzant aquests moments, al mateix temps, com a disparadors per crear-ne altres de nous; deixant-se travessar pel singular imaginari de la seva terra asturiana.
Una peça de peces cosida amb fils de circ i que vol ser com l’orbayu: lleugera, gairebé imperceptible, però amb la ferma pretensió de calar fins als ossos.

Jorge Albuerne, asturià
Realitza estudis de Gravat i Estampació a la EAAyOA d’Oviedo. Es llicencia en Belles Arts a la Universitat del País Basc especialitzant-se en Ceràmica i Escultura. Vinculat des de fa anys al món del circ de carrer, inicia la seva formació en dansa a Bilbao i al mateix temps continua la seva formació circense en equilibris acrobàtics, quadrant aeri, màstil xinès i trapezi volant.

José Luís Redondo, asturià Té la titulació en Ciències de l’activitat física i de l'esport. Va estudiar diferents tècniques de circ com aeris, equilibris, malabars, acrobàcia i clown a l’Escola de Circ Carampa (Madrid, 2004-05) i ha continuat els seus estudis de circ a l’Escola de Circ Criollo (Buenos Aires, 2005-06).

YE: En la Lengua Asturiana, tercera persona singular del presente de indicativo del verbo “ser”. ( cast.: es ).

ORBAYU: Así se denomina en el territorio Asturiano a aquella lluvia liviana, casi imperceptible, pero que empapa…también tenemos de otros tipos, por lluvia no será, pero ésta es, sin duda, la que mejor nos define. (cast.: calabobos).

Creación escénica humorística a partir de algunos de los mejores momentos que han ido surgiendo en las trayectorias artísticas de Redondo y Albuerne en la búsqueda de la risa (propia y ajena). Y utilizándolos a su vez, como disparador para crear otros nuevos; dejándose atravesar por el singular imaginario de su tierrina asturiana.
Una pieza de piezas cosida con hilos de circo y que quiere ser como el orbayu, liviana, casi imperceptible, pero con la firme pretensión de calar hasta los huesos.

Jorge Albuerne, Asturiano
Realiza estudios de Grabado y Estampación en la EAAyOA de Oviedo. Se licencia en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco especializándose en Cerámica y Escultura. Vinculado desde años al mundo del circo de calle, inicia su formación en danza en Bilbao y simultáneamente continúa su formación circense en equilibrios acrobáticos, cuadrante aéreo, mástil chino y trapecio volante.

José Luis Redondo, Asturiano
Es titulado en Ciencias de la Actividad física y del Deporte. Ha estudiado diferentes técnicas de circo como aéreos, equilibrios, malabares, acrobacia y clown en la Escuela de Circo Carampa (Madrid, 2004-05) y ha continuado sus estudios de circo en la Escuela de Circo Criollo (Buenos aires, 2005-06).

YE: In Asturian, third person singular of the present of the verb ‘to be’ . (Eng: is).

ORBAYU: The Asturian word for that light, almost imperceptible rain that drenches you… we have other types, it’s not as if we’re short of rain, but this is, undoubtedly, the one that best defines us. (Eng: drizzle).

This is a humorous performance creation built on some of the better moments from the varied artistic trajectories of Redondo and Albuerne as they search for laughter (their own and that of others). And they use those moments as triggers for new ones, while allowing themselves to be influenced by the singular vision of their little Asturian homeland.
A piece made up of pieces sewn together with circus thread, that wants to be like the orbayu: light, almost imperceptible, but with the firm objective of drenching you to the bone.

Jorge Albuerne, native of Asturias
Studied Printing and Engraving at the EAAyOA in Oviedo. Obtained a degree in Fine Arts from the Universidad del País Vasco specialising in Ceramics and Sculpture. With a long-time connection to the world of street circus, he began training as a dancer in Bilbao and continued his circus training with acrobalance, cradle, Chinese pole and flying trapeze.

José Luis Redondo, native of Asturias
Has a degree in the Science of Physical Activity and Sports. He has studied different circus techniques such as aerial, balance, juggling, acrobatics and clown at the Circo Carampa school (Madrid, 2004 -05) and continued his circus training at the Creole Circus School (Buenos Aires, 2005-06).


PROGRAMA  ANTIC TEATRE   2016 /// ABRIL /// APRIL →

★ 4 Abril  4th April


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion


HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 13 Abril 13th April


EDUARDO GIÓN /
ANTIC TEATRE



"El desplume"

durada / duración / running time: 90 min

Cabaret


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
9 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros










Mestro de ceremònies: Victor Guerrero
Mite: Gilda Love

Artistes per confirmar

Organitza: Eduardo Gión

hmarionanaudin.blogspot.com.es

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Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del Desplume, serà un retorn al cabaret mes íntim, més a prop teu.
Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cinema underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment la seva nova web “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume se convertira en un cabaret más intimo más cerca de ti. Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macías y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.
Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking.
In this new phase, El Desplume will become more up-close and personal; Antic Teatre Cabaret will be a meeting point for all lovers of this genre and will show those who have never experienced it what a real cabaret night is all about.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries. He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films. Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.
He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.


★ 14 i/y 15 Abril 14th & 15th April


PERE FAURA


"Striptease" + "bomberos con grandes mangueras"

durada / duración / running time: 60 min

nous llenguatges del cos
nuevos lenguajes del cuerpo
new body languages

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
14 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
15 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








“Striptease”
Concepte i creació: Pere Faura
Intèrprets: Pere Faura i Demi Moore
Música: Carlos Jobim y Annie Lennox, mezcla de Ivo Bol
Disseny de llums: Paul Schimmel i Pere Faura
Tècnica: Sergio Roca

Extractes de textos de:
"Undressing the First Amendment and Corsetting the Striptease Dancer" de Judith Lynne Hanna
"Striptease. The Art of Spectacle and Transgression" de Dahlia Schweitzer
"Narrative Striptease in the Nightclub Era" de Ben Urish

Supervisió dramatúrgica: Jeroen Fabius
Productor: Frascati Theater, Amsterdam

“bomberos con grandes mangueras”
Creació i intepretació: pere faura
música: vivaldi + actor de "bomberos con grandes mangueras" producció: CUVO - comissariat per Àlex Brhim

www.perefaura.com

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"Striptease" és un striptease al teatre i a la seva mirada. Un striptease, una performance i una conferència que compara de manera irònica i divertida el fet teatral amb l’art de despullar-se.

Què esperem veure quan anem al teatre? I quan anem a veure un striptease? I quan anem a veure una peça de teatre que es diu “striptease”?

"Striptease" parla d’aquestes expectatives, del mecanisme de generació del desig en totes dues convencions i de la relació de seducció entre performer i espectador, allà on la seva mirada es converteix finalment en la protagonista principal d’aquest striptease.

“bomberos con grandes mangueras”

En un intent de despullar els despullats, la peça re-visita l’imaginari pornogràfic com a pràctica coreogràfica. Amb estratègies que oscil.len entre la concreta re-contextualizació i la completa abstracció, un ballarí practica sol la dansa dual per excel·lència. Una masturbació sense soledad. Un striptease a l’arquitectura del plaer que el públic presencia en aquell espai entre ser espectador i ser voyeur, entre allò públic i allò privat, entre l’explícit y l’eròtic. Una reflexió nua, suada i bruta sobre la gimnàsia de l’excitació y la fisicalitat del desig.

Pere Faura, Barcelona 1980, es gradua de la School for New Dance Development (SNDO) d’Amsterdam el 2006, amb una peça de dansa que guanya l’ITS Festival Award, i és seleccionada per la gira DansClick al voltant dels Països Baixos. Aquell mateix any entra com a coreògraf resident al Teatre Frascati d’Amsterdam, on crea la major part de les seves obres, presentades internacionalment, i el 2009 rep el prestigiós premi Charlotte Kohler Prize. Després de graduar-se de l’Amsterdam Master of Choreography, el 2011 torna a Barcelona i treballa en noves produccions en diferents centres de creació de la ciutat, així com col·labora amb altres artistes com Iñaki Álvarez, Joan Escofet, Aggtelek o Desilence Studio, entre d’altres.

El treball de Pere Faura es caracteritza per l’apropiació d’elements de la cultura pop, com l’striptease, la disco, els musicals o el porno, remesclats en una coreografia multidisciplinar que combina tots els elements de l’engranatge teatral.

A part del seu treball com a creador, també realitza una faceta de programació i disseny de contextos per a l’exhibició artística a través del col·lectiu ARTAS (ARTistes ASsociats a La Poderosa) i com a membre fundador de G.R.U.A (Grup de Recerca d’Universos Artístics) on col·labora amb Claudia Solwat i Anna Rubirola.

“Striptease” es un striptease al teatro y a su mirada. Un striptease, una performance y una conferencia que compara de manera irónica y divertida el hecho teatral con el arte de desnudarse.

¿Qué esperamos ver cuando vamos al teatro? ¿Y cuando vamos a ver un striptease? ¿Y cuando vamos a ver una pieza de teatro que se llama “striptease”?

“Striptease” habla de esas expectativas, del mecanismo de generación del deseo en ambas convenciones y de la relación de seducción entre performer y espectador, dónde su mirada se convierte finalmente en la protagonista principal de ese striptease.

“bomberos con grandes mangueras”
En un intento de desnudar a los desnudados, la pieza re-visita el imaginario pornográfico como práctica coreográfica. Con estrategias que oscilan entre la concreta re-contextualización y la completa abstracción, un bailarín practica solo la danza dual por excelencia. Una masturbación sin soledad. Un striptease a la arquitectura del placer que el público presencia en ese espacio entre ser espectador y ser voyeur, entre lo público y lo privado, entre lo explícito y lo erótico. Una reflexión desnuda, sudada y bruta sobre la gimnasia de la excitación y la fisicalidad del deseo.

Pere Faura, Barcelona 1980, se gradúa de la School for New Dance Development (SNDO) de Ámsterdam en 2006, con una pieza de danza que gana el ITS Festival Award, y es seleccionada para la gira DansClick alrededor de los Países Bajos. Ese mismo año entra como coreógrafo residente en el Teatro Frascati de Ámsterdam, dónde crea la mayor parte de sus obras, presentadas internacionalmente, y en 2009 recibe el prestigioso premio Charlotte Kohler Prize. Después de graduarse del Amsterdam Master of Choreography, en 2011, vuelve a Barcelona y trabaja en nuevas producciones en diferentes centros de creación de la ciudad, así como colabora con otros artistas como Iñaki Álvarez, Joan Escofet, Aggtelek o Desilence Studio, entre otros.

El trabajo de Pere Faura se caracteriza por la apropiación de elementos de la cultura pop, como el striptease, la disco, los musicales o el porno, remezclados en una coreografía multidisciplinar que combina todos los elementos del engranaje teatral.

Aparte de su trabajo como creador, también realiza una faceta de programación y diseño de contextos para la exhibición artística a través del colectivo ARTAS (ARTistas ASociados a la Poderosa) y como miembro fundador de G.R.U.A. (Grup de Recerca d’Universos Artístics) en el que colabora con Claudia Solwat y Anna Rubriola.

“Striptease” is a striptease of the theatre and the way it’s viewed. A striptease, a performance and a conference that, using humour and irony, compare the theatre to the art of undressing.

What are we expecting to see when we go to the theatre? And when we go to see a striptease? And when we go to see a theatre show called “striptease”? “Striptease” talks about these expectations, about the mechanism of desire existing in both cases, about the seductive relationship between performer and spectator; a spectator whose gaze eventually becomes the leading figure in this striptease.

“bomberos con grandes mangueras”
In an attempt to undress the undressed, the piece re-visits the common visualisation of porn as a choreography. Using different strategies such as concrete re-contextualization or complete abstraction, a dancer practices the dual dance par excellence on his own. A masturbation without loneliness. A striptease to the architecture of pleasure, which the audience witnesses in that space between being a spectator and being a voyeur, between the private and the public, between the explicit and the erotic. A naked, sweaty and dirty reflection on the gymnastics of excitement and the physicality of desire.

Pere Faura, Barcelona 1980, graduated from the School for New Dance Development in Amsterdam (SNDO) in 2006, and his graduating piece won the ITS Festival Award and was selected for the DansClick tour of The Netherlands. That same year he became resident choreographer at Frascati Theatre in Amsterdam, where he created most of his works, presented internationally, and in 2009 received the prestigious Charlotte Kohler Prize. After graduating in Amsterdam Master of Choreography in 2011, he returned to Barcelona where he continued developing his work at different creation centers in the city, as well as collaborating with other artists such as Iñaki Alvarez, Joan Escofet, Aggtelek or Desilence Studio, among others.

Pere Faura's work is based on the appropriation of elements of pop culture, such as striptease, disco, musicals or porn, which he remixes and transforms into a new multidisciplinary choreography that combines all the elements of theatrical conventions.

Apart from his work as a deviser, he’s also involved in programming activities and designing new contexts for artistic exhibition as a member of the collective ARTAS (ARTistas ASociados a La Poderosa) and as founding member of G.R.U.A. (Grup de Recerca d’Universos Artístics).


★ 16 i/y 17 Abril 16th & 17th April


AMARANTA VELARDE
& ALBA G. CORRAL



"Mix-en-scene"

durada / duración / running time: 50 min

Dj set coreogràfic audiovisual
Dj set coreográfico audiovisual
Choreographic audiovisual Dj Set

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
16 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
17 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Concepte i interpretació/dj: Amaranta Velarde
Disseny visual i llums: Alba G. Corral
Producció: La Poderosa
Suport: Laboral Centre d'Art i creació Industrial i Graner centre de creació

amarantavelarde.wordpress.com

www.albacorral.com

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Mix-a-scene és un projecte que proposa desenvolupar una experiència acústica, visual i coreogràfica per a l'espectador, on el performer-ballarí-Dj, punxa en directe la mateixa manera que balla i acciona partitures coreogràfiques. A si mateix l'escena va acompanyada de peces visuals generades en temps real. Es tracta de construir una sessió acústica i visual que reprodueix, versiona i barreja fragments (samplejats) històrics i icònics de la dansa, la música i els visuals. La proposta realitza un viatge que experimenta amb la cronologia, la superposició d'estils i principis artístics, utilizanado estratègies de la postproducció i l'esperit Dj de L'apropiació, manipulació i versionat de materials.

Amaranta Velarde
És coreògrafa i ballarina. Ha presentat el seu treball en llocs com Secció Irregular del Mercat de les Flors, Antic Teatre, Escena Poblenou, MACBA Barcelona, Laboral Gijón o MUSAC León. A Barcelona ha treballat amb El Conde de Torrefiel, Pere Faura, Cristina Blanco, Diana Gadish i el col·lectiu Artas de la Poderosa.

Alba Corral
És coneguda per les seves actuacions audiovisuals en viu on s'integra la codificació i l'elaboració, en col·laboració amb músics en temps real. Ha actuat amb músics de la talla de Jon Hopkins, Miguel Marín (àlies Arbre), Fibla i la Síndrome de Stendhal. El treball de Corral ha estat exhibit en festivals i esdeveniments com Eufonic, Future Everything, Alpha-ville Festival, Sonar, Primavera Sound i LEV.

Mix-en-scene es un proyecto que propone desarrollar una experiencia acústica, visual y coreográfica para el espectador, donde el performer-bailarín-Dj pincha en directo al igual que baila y acciona partituras coreográficas. Así mismo la escena va acompañada de piezas visuales generadas en tiempo real. Se trata de construir una sesión acústica y visual que reproduce, versiona y mezcla fragmentos (sampleados) históricos e icónicos de la danza, la música y los visuales. La propuesta realiza un viaje que experimenta con la cronología, la superposición de estilos y principios artísticos, utilizando estrategias de la postproducción y el espíritu Dj de apropiacion, manipulación y versionado de materiales.

Amaranta Velarde
Es coreógrafa y bailarina. Ha presentado su trabajo en sitos como Secció Irregular del Mercat de las Flores, Antic Teatre, Escena Poblenou, MACBA Barcelona, Laboral Gijón o MUSAC León. En Barcelona ha trabajado con El Conde de Torrefiel, Pere Faura, Cristina Blanco, Diana Gadish y el colectivo Artas de la Poderosa.

Alba Corral
Es conocida por sus actuaciones audiovisuales en vivo donde se integra la codificación y la elaboración, en colaboración con músicos en tiempo real. Ha actuado con músicos de la talla de Jon Hopkins, Miguel Marín (alias Arbol), Fibla y el Síndrome de Stendhal. El trabajo de Corral ha sido exhibido en festivales y eventos como Eufonic, Future Everything, Alpha-ville Festival, Sonar, Primavera Sound y LEV.

Mix-en-scene is a project that aims to develop an acoustic, visual and choreographic experience for the audience, where the performer-dancer-Dj plays a live set while dancing and acting out choreographies. This is accompanied by visual pieces generated in real time. It is about building an acoustic and visual session that reproduces, mixes and remakes historical and iconic samples of dance, music and visuals. The piece creates a trajectory that experiments with chronology and the superposition of artistic styles and principles, using postproduction strategies and the Dj spirit of appropriation, manipulation and remixing of materials.

Amaranta Velarde
Is a choreographer and dancer. She has presented her work at venues such as Secció Irregular Mercat de las Flores, Antic Teatre, Escena Poblenou, MACBA Barcelona, Gijón Labor and Leon MUSAC. In Barcelona she has worked with El Conde de Torrefiel, Pere Faura, Cristina Blanco, Diana Gadish and the Artas collective at La Poderosa.

Alba Corral
Is known for her audiovisual live performances in which encoding and image development are integrated in real time in collaboration with musicians. She has performed with musicians such as Jon Hopkins, Miguel Marin (aka Tree), Fibla and Stendhal Syndrome. Corral's work has been shown at festivals and events such as Eufonic, Future Everything , Alpha-ville Festival, Sonar, Primavera Sound and LEV.


★ 18 Abril  18th April


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion


HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 21-24 Abril i/y 28 Abril al 1 de Maig/ Mayo 20th-24th & 28th April to 1st May


MARÍA STOYANOVA


"The show"


ESTRENA

durada / duración / running time: 60 min

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New Drama

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
21 DJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
22 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
23 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
24 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00

28 DJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
29 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
30 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
01 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE






Creació, direcció i interpretació: Maria Stoyanova
Col·laboració artística: Eva Isolde Balzer i Manickam Yogaswaran
Disseny d'il·luminació i disseny gràfic: Toni Alonso
Material audiovisual: East Side Connection

Amb el suport de:
Antic Teatre Bcn, La Cháchara Espai d'art i idees i Atelier Escènic Stoyanova

www.mariastoyanova.com

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"The Show" part de la pregunta: ¿Veiem la realitat tal com és? i reflexiona sobre la crisi, sobre el seu misteri i les seves variants múltiples. Comencem amb la crisi personal d'una dona blanca, europea, en situació de cert privilegi i des d'aquí abordem algunes altres crisis. Crisis de la nostra societat i també de la nostra ciutat, crisis entre amics, amants, companys, crisis de valors, de nacions, de banderes, d'algun club de futbol, crisis d'estrelles, crisis espirituals i intel·lectuals, crisi de les institucions, de les religions, dels governs, de la natura, crisis financeres, morals, ètiques, crisis visibles, invisibles, reals, de fantasia, crisis de ficció.

Maria Stoyanova (Sofia, 1974)
És artista resident de Antic Teatre. Des de l'any 2012 es dedica professionalment a les arts escèniques combinant les seves facetes d'actriu, performer, creadora escènica, docent i directora. Crea experimenta i investiga dins dels nous llenguatges i la creació contemporània i desenvolupa la seva pròpia línia de treball. L'artista treballa com a creadora en solitari ("Gitana a Barcelona", "Madama (s) Butterfly (s)", "Sade was myself", "Paisatges de Txèkhov", etc.) i en col·laboració amb artistes i companyies nacionals i internacionals (Cantabile2 - Dinamarca, Eva Isolde Balzer - Berlin, Jillian Greenhalgh - País de Gal·les, Peter Gadish - Bcn, Karel Mena - Bcn, etc.).

“The Show” parte de la pregunta: ¿Vemos la realidad tal como es? y reflexiona sobre la crisis, sobre su misterio y sus variantes múltiples. Comenzamos con la crisis personal de una mujer blanca, europea, en situación de cierto privilegio y desde ahí abordamos algunas otras crisis. Crisis de nuestra sociedad y también de nuestra ciudad, crisis entre amigos, amantes, compañeros, crisis de valores, de naciones, de banderas, de algún club de futbol, crisis de estrellas, crisis espirituales e intelectuales, crisis de las instituciones, de las religiones, de los gobiernos, de la naturaleza, crisis financieras, morales, éticas, crisis visibles, invisibles, reales, de fantasía, crisis de ficción.

María Stoyanova (Sofía, 1974)
Es artista residente de Antic Teatre. Desde el año 2012 se dedica profesionalmente a las artes escénicas combinando sus facetas de actriz, performer, creadora escénica, docente y directora. Crea, experimenta e investiga dentro de los nuevos lenguajes y la creación contemporánea y desarrolla su propia línea de trabajo. La artista trabaja como creadora en solitario (“Gitana en Barcelona”, “Madama(s) Butterfly(s)”, “Sade was myself”, “Paisajes de Chéjov”, etc.) y en colaboración con artistas y compañías nacionales e internacionales (Cantabile2 – Dinamarca, Eva Isolde Balzer – Berlin, Jillian Greenhalgh – País de Gales, Peter Gadish – Bcn, Karel Mena – Bcn, etc.).

"The Show" starts with the question: Do we see reality as it is? and reflects on the crisis, its mysteries and its many aspects. The starting point is the personal crisis of a white, European woman with a fairly privileged life; from there we look into various other crises: the crisis in our societies and cities; the crises between friends, lovers and colleagues; the crisis of values, of nations, flags; of some football club; celebrity crises, spiritual crises, intellectual crises, the crisis of institutions, of religions, of governments; crisis of nature, financial crisis, moral crisis, ethical crisis, visible, invisible, real, fantasy or fictional crises.

Maria Stoyanova (Sofia, 1974)
Is a resident artist in Antic Teatre. She has worked in performing arts since 2012, combining her various skills as actress, performer, stage creator, teacher and director. She creates experiences and research into new languages and contemporary creation as well as developing her own line of work. She has produced work on her own: ("Gypsy in Barcelona", "Madama (s) Butterfly (s)", "Sade was myself", "Landscapes of Chekhov", etc.) and in collaboration with national and international artists and companies: (Cantabile2 - Denmark, Eva Balzer Isolde - Berlin, Jillian Greenhalgh - Wales, Peter Gadish - Bcn, Karel Mena - Bcn, etc.).


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